Art contemporain

 

   Rigoureusement alignée, une armée de 104 sculptures de petites filles en rang par quatre se tient au centre de la halle Aubervilliers du 104. Leur expression sévère et leur attitude figée renvoient aux 8000 soldats de terre cuite découverts enterrés dans la nécropole de l'empereur Qin, en 1974 près de Xi'an en Chine.


 

 

Prune Nourry Terracotta daughters 104 1"Terracotta daughters", Prune Nourry au Cent-quatre

 

 

 

     Comme les soldats, certaines petites filles portent des vestes cuirassées. Avec cette armée contemporaine de Holy Daughters, Prune Nourry parle du déséquilibre démographique en Chine. Les parents chinois préferrent les garçons qui les accompagneront dans leur vieillesse plutôt que les filles qui partiront pour se marier. La politique de l'enfant unique a eu pour conséquence la disparition de nombreux nouveaux-nés féminins. A cause des infanticides, le démographe Christophe Guilmoto estime que plis de 163 millions de filles manquent en Asie.

 

   "Je me suis demandé comment montrer de manière artistique ce problème de la disparition des filles. Je suis allée sur place rencontrer des démographes, des ONG, des groupes de femmes. Il fallait que mon projet parle de manière universelle." 1

 

 

 

Prune Nourry Terracotta daughters 104 7"Terracotta daughters", Prune Nourry, halle Aubervilliers du Cent-quatre

 

 

 

 

   Prune Nourry a fabriqué ses 108 statues d'argile en Chine avec l'aide d'artisans dont Xian Feng avec lequel elle communique grâce à un interprète, des croquis et des gestes. Grandeur nature, les statues ont huit visages différents mais sont toutes différentes grâce aux détails vestimentaires ou à leur attitude (mains croisées sur le ventre ou dans le dos, bras ballants etc). Huit petites filles orphelines, choisies par l'association Les enfants de Madaifu, ont été photographiées Prune Nourry. Un an plus tard, elles ont eu la joie de voir leur modèle une fois terminé. L'argent récolté par la vente de certaines statues financera l'éducation des fillettes pendant trois ans.


 

 

 

Prune Nourry Terracotta daughters 104 0"Terracotta daughters", Prune Nourry au Cent-quatre

 

 

 

   Dans l'atelier cinq du 104 est projeté un film réalisé par Prune Nourry qui décrit son travail du modelage au moulage.

 

 

 

Prune Nourry Terracotta daughters 104 5"Terracotta daughters", Prune Nourry au Cent-quatre

 

 

 

 

   Les visiteurs peuvent circuler au milieu des enfants immobiles et les voir en plongée à partir d'une plateforme. L'armée féminine chinoise de Prune Nourry, symbole de toutes ces petites filles non-nées, sera exposée à travers le monde pendant un an avant d'être enterrée dans un lieu secret, comme les guerriers de l'empereur Qi.

 

 "Je veux créer un mythe autour de ces sculptures, que les gens se demandent si c'est vrai ou si c'est une légende." déclare Prune Nourry 1

 

 

   Les filles d'argile seront ensuite exhumées en 2030, date à laquelle les conséquences des avortements sélectifs deviendront dramatiques en Chine ou en Inde.


 

 


Prune Nourry Terracotta daughters 104 9"Terracotta daughters", Prune Nourry au Cent-quatre

 

 

 

   Née en 1985, Prune Nourry est diplômée de l'école Boulle où elle étudie la sculpture sur bois. Elle vit et travaille à New-York, en résidence au centre d’art The Invisible Dog de Brooklyn. La plasticienne s'intéresse aux dérives de la bioéthique et à la selection des sexes.

 


 

 

 

Prune Nourry Terracotta daughters 104 B"Terracotta daughters", Prune Nourry au Cent-quatre

 

 

 

 

Avec motifs apparents, exposition collective

Prune Nourry, Terracotta daughters

du 22 mars au 10 août 2014

Cent-Quatre, Paris

 

Du 22 Mars au 10 Mai, 2014

Galerie Magda Danysz - 78, rue Amelot Paris 11

 

 

 

Une interview de Prune Nourry

 

 

 

Prune-Nourry-Terracotta-daughters-104-soldats.jpg

 

 

 

 

Palagret

art contemporain

avril 2014

 

 

Source:

1- in Lefigaro

 

 


 


 

   Performance ursine au Musée de la Chasse et de la Nature: Abraham Poincheval hiberne dans le ventre de l'animal.

   

 

Dans la peau de l'ours PoinchevalAbraham Poincheval dans la peau de l'ours, curieux trophée au Musée de la Chasse

 

 

 

   A travers son épaisse fourrure, les visiteurs parlent au prisonnier volontaire. Certains lui font la lecture.  Ce jour là, une jeune femme lisait un conte de Charles Perrault.  

 



Dans la peau de l'ours, Abraham Poincheval hiberne par Palagret

 

 

 

Lien sur ce blog:

Abraham Poincheval dans la peau de l'ours, curieux trophée au Musée de la Chasse

 

 

Palagret

avril 2014

Performance ursine

 


 

    Voilà un beau poisson d'avril ou plutôt un ours d'avril. Le mardi 1er avril l'artiste et performeur Abraham Poincheval s'est enfermé dans un ours! Comme Franny, le personnage de "Hotel New-Hampshire de John Irving qui vit dans un costume d'ours? Non, Abraham Poincheval git allongé dans une sculpture d'ours recouverte d'une vraie peau et il y restera treize jours. Aussi vide et fascinant que le Loft de TF1, la performance du musée de la Chasse et de la Nature est retransmise 24h/24 et en direct sur poincheval.chassenature.org.


 

 

Dans la peau de l'ours Poincheval maquetteDans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Musée de la chasse et de la nature, Paris

 

 

 

 

   Une caméra filme Poincheval à l'intérieur de l'ours, une autre à l'extérieur filme les réactions des visiteurs du Musée. Un oeilleton situé au niveau de l'anus de l'animal devait permettre de voir le performeur mais il a été obstrué suite à des aménagements techniques de dernière minute. Abraham Poincheval peut débrancher la caméra intérieure s'il souhaite un peu d'intimité mais pourquoi s'inflige-t-il une telle prison? 


 

 

Dans la peau de l'ours PoinchevalDans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Musée de la chasse et de la nature, Paris

 

 

 

   Pourquoi? C'est une des questions que lui posent les visiteurs. La réponse arrive presque inaudible à travers la fourrure de l'animal: pour expérimenter les sensations de l'ours en hibernation. Les enfants d'abord intimidés caressent et saluent l'animal puis entament un dialogue de sourd. Quelques livres posés sur une table basse incitent les volontaires à faire la lecture au prisonnier. Au choix: Walden ou la vie dans les bois, de Thoreau, 20 000 Lieux sous les mers, de Jules Verne, ou encore les Contes de Perrault et Boucle d'or et les Trois Ours.


 

 

Dans la peau de l'ours Poincheval dialogue 0Dialogue avec l'ours

Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

 

 

 

      Ce n'est pas la première fois qu'Abraham Poincheval endure l'enfermement. En 2012 à Marseille, il s'enfermait dans une librairie. En 2013 à Tours, il s'enterrait sous le parvis de l’hôtel de ville. Aujourd'hui, pour 13 jours, Abraham Poincheval  repousse ses limites physiques.  "Avant de s'enfermer dans un ours, on est toujours un peu tendu." a déclaré sans rire le performeur. 1


 

 

Dans la peau de l'ours Poincheval intérieurDans la peau de l'ours, vue intérieure

Musée de la chasse et de la nature, Paris

 

 

 

 

« En restant statique, l'univers se déploie d'une étrange façon. C'est difficile au début, les deux ou trois premiers jours. Il faut se concentrer, ne pas partir à la dérive », explique-t-il.  Embarqué à bord de l'animal comme « pour un voyage en haute-mer, il y aura des jours de tempête intérieure et des jours calmes. Treize jours, c'est d'ailleurs le temps d'une traversée entre l'Europe et l'Amérique... Il faut tenir le cap ».1


 

 

 

Dans la peau de l'ours Poincheval dialogueDans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Dialogue, Musée de la chasse et de la nature, Paris

 

 

 

 

  Pour ce voyage immobile dans la peau d'un ours, Abraham Poincheval a aménagé sa prison avec les commodités modernes: eau, électricité, ventilation mécanique contrôlée (VMC), évacuation des déchets. Le tout dissimulés dans un plancher technique. Il y a aussi des livres mais ni télévision, ordinateur ou portable. Abraham Poincheval a d'abord testé l'installation pendant un mois. Il se tient sur le dos, la tête à hauteur du cou de l'animal et peut faire un peu d'exercice chaque jour en tirant sur une corde.



 Dans la peau de l'ours Poincheval dialogue 7Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Dialogue, Musée de la chasse et de la nature

 

 

 

    L'ours-sculpture est posé au milieu des armes, des trophées et des animaux empaillés du Musée de la chasse. Levée d'écrou le 13 avril. L'ours vide restera exposé une semaine de plus.

 

 

  

 Dans la peau de l'ours Poincheval 4 dessinsDans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Dessins préparatoires

 

 


Voir la video de l'ours habité

 

 

 

Dossier de presse:

 

"L’originalité de la performance qu’accomplit en ce moment même Abraham Poincheval tient à ce que cette nouvelle expérience est menée à l’intérieur d’une œuvre d’art qu’il a créée: une sculpture habitable, en forme d’ours. Ce faisant, l’artiste interroge le statut de l’œuvre d’art, repousse ses propres limites physiques et expérimente le « devenir- animal » tel que l’a défini Gilles Deleuze.

Quel est le statut de cette œuvre d’art ?

Il s’agit d’une œuvre unique, réalisée en trois mois par l’artiste, avec l’aide de deux personnes du musée Gassendi. Sculpture habitable, celle-ci a été fabriquée sur mesure, en fonction de la morphologie de l’artiste (1,72 m pour 55 kg). Pour plus de vraisemblance, la sculpture a les dimensions (1,60 m x 1,20 m x 2,60 m) et l’aspect d’un ours noir. L’habitacle a été entièrement revêtu de peau, provenant d’un ours noir du Canada prélevé en 2012 (permis CITES n°13CA03919/ CWHQ-1). L’œuvre est la propriété d’Abraham Poincheval, son auteur. à l’issue de la performance, elle sera présentée au musée de la Chasse et de la Nature jusqu’au 20 avril 2014, puis au musée Gassendi."

 


 

 Dans la peau de l'ours Poincheval livresProposition de lecture pour distraire le prisonnier

Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

 

 

 

 

   "Pratiquée sous contrôle médical et sous la surveillance de deux caméras qui relaient la performance sur le site internet du musée, cette expérience d’enfermement n’est pourtant pas proprement inédite puisque des précédents existent dans la littérature (la baleine du Livre de Jonas ou celle de Pinocchio, l’éléphant de la place de la Bastille dans lequel Victor Hugo fait vivre le Gavroche des Misérables) et dans l’histoire (le cheval de Troie, les dépouilles des chevaux de la Grande Armée napoléonienne dans lesquels les soldats se sont enveloppés pour survivre face au froid lors de la retraite de Russie...).

Expérimenter le « devenir-animal »

Dans son étroite retraite, le performeur met entre parenthèses le monde qui l’entoure et qui pourtant lui envoie des signaux (des lectures, de la musique et des chants lui sont adressés comme autant de propositions de lui tenir compagnie). La lecture embarquée lui permettra de redécouvrir les plaisirs de la littérature.

Enfermé et allongé dans une structure habillée de peaux d’ours, Abraham Poincheval mène une expérience érémitique pour «devenir- animal ». Il est retiré du monde avec lequel il ne communique plus pendant toute la durée de sa performance. Ce travail sur soi et cette ascèse lui font vivre une forme d’hivernation durant laquelle il éprouve physiquement ce que peut ressentir l’animal endormi et vivant « au ralenti ».

 

En se nourrissant des préparations culinaires élaborées par Olivier Dohin à partir des aliments favoris de l’espèce (insectes, miel, graines, végétaux...) Abraham Poincheval espère vivre les mêmes sensations que celles de « l’ours » avec lequel il fait corps pendant treize jours."

 

 


 

Dans la peau de l'ours Poincheval têteDans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Musée de la chasse et de la nature, Paris

 

 

 

  "Comme l’ours, Abraham Poincheval est placé en état d’hivernation. Comme lui, il se nourrit de végétaux herbacés, de baies, d’insectes, de miel et de fruits. Placé artificiellement dans cet état de somnolence propice à la distanciation et à la prise de recul, Abraham Poincheval peut méditer. Expérience du « devenir animal », la performance est aussi une manière de se réapproprier l’espace et le temps. Le public est invité à entrer en communication avec l’artiste, à lui tenir compagnie en lui faisant la lecture. Une performance participative."

 

 

 

 Dans la peau de l'ours Poincheval oeilletonDans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Musée de la chasse et de la nature, Paris

 

 

 

 

Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Du 1er au 1" avril 2014

Musée de la chasse et de la nature, Paris

 

 

 

Palagret

art contemporain et musée

avril 2014

 

 

Source:

1- Lemonde


 

 

 

 

 

En direct

 

 

 

 

     Il vaut mieux aller au Louvre au crépuscule ou à la nuit tombée car franchement, en plein jour, on ne voit pas grand chose du néon de Claude Lévêque. "Sous le plus grand chapiteau du monde, partie 1se détache mal sur la structure de la pyramide et sur le ciel. 

 

 

 

Lévêque chapiteau néon Louvre 4"Sous le plus grand chapiteau du monde, partie 1"

néon rouge de Claude Lévêque, pyramide du Louvre

 

 

 

 

   La nuit, le néon rouge de 22 mètres transfigure la pyramide de Peï et se reflète dans les plans d'eau alentour. Pour Claude Lévêque, cette ligne brisée est comme un éclair foudroyant; un éclair inversé qui s'élance vers le ciel. La pyramide devient un chapiteau, un chapiteau de cirque comme l'indique le titre de l'oeuvre.  "Sous le plus grand chapiteau du monde" ("The greatest show on earth"), est un film de 1952 de Cecil B. DeMille, un cinéaste connu pour sa démesure. Tel un acrobate défiant la pesanteur sous le regard anxieux des spectateurs, Claude Lévêque nous fait lever la tête non vers le dais opaque du chapiteau mais vers le ciel.

 

 

 

 

 

Lévêque chapiteau nuit Louvre"Sous le plus grand chapiteau du monde, partie 1" la nuit

néon rouge de Claude Lévêque, pyramide du Louvre

 

 

 

 

     "Le Louvre m'a invité il y a un an. J'avais choisi la partie médiévale, pour laquelle je vais faire un projet à l'automne 2015. On m'a demandé de faire quelque chose dans la pyramide. C'est la première phase, c'est cohérent avec ce qui va suivre. Ça m'amusait de jouer cette opposition entre la partie contemporaine du musée et les racines du château."


 

 


Claude Lévêque au Louvre par louvre

 

 

 

 

         L'éclair est un motif qui se retrouve dans de nombreuses peintures de paysage classiques:

"Le projet est venu de ce que j’ai pu emprunter dans certains tableaux, notamment de ceux de la Renaissance des pays nordiques. Leurs lumières, leur ambiance, que je revisite à ma manière sans faire trop d’écho ou de redondance." 1 


 

 

Le-ve-que-chapiteau-ne-on-Louvre-partagez-photos.jpg"Partagez vos photos #MuseeduLouvre#ClaudeLeveque"

Oui, vous avez le droit de photographier les oeuvres du Louvre

 

 

 

          Les visiteurs sont encouragés à se photographier devant l'éclair rouge et à envoyer le cliché sur internet. C'est la nouvelle tendance des musées pour attirer les jeunes branchés internet. De jour cependant, bien peu de visiteurs, jeunes ou pas, remarquent "Sous le plus grand chapiteau du monde, partie 1", le zig-zag posé sur le socle. Les oeuvres précédentes exposées sous la pyramide (Suppo de Wim Delvoye en 2012, Versus de Tony Gragg en 2010, l'oeuvre de Loris Gréaud en 2013) étaient moins diaphanes, on ne pouvait les manquer. Il faut attendre la nuit pour que les touristes remarquent la sculpture lumineuse de Claude Lévêque. 



 

 

Cragg Versus Touristes Louvre"Versus", sculpture de Tony Gragg sous la pyramide du Louvre

touristes se photographiant

 

 

 

 

 Dossier de presse:

"Avec des gestes plastiques d’une énergie dense et ramassée, l’oeuvre de Claude Lévêque travaille avec les lieux qu’elle rencontre pour y activer une forte charge d’images et de sensations. L’invitation du Louvre commence avec une mise en incandescence de la pyramide de Ieoh Ming Pei."


 

 

Lévêque chapiteau néon Louvre 8"Sous le plus grand chapiteau du monde, partie 1"

néon rouge de Claude Lévêque, pyramide du Louvre

 

 

 

 

   "Le néon, l’un des matériaux privilégiés de l’artiste, se fait ici foudre, tranchant un volume d’air pour distribuer ses résonances diurnes et nocturnes sur l’architecture alentour. Après Tony Cragg, Wim Delvoye et Loris Gréaud, cette création in situ de Claude Lévêque vient inscrire sa propre lecture de l’entrée du musée. Il s’agit du premier chapitre d’une intervention plus développée de l’artiste, qui s’étendra, en 2015, aux fossés et au donjon du Louvre médiéval."


 

 

Lévêque chapiteau néon Louvre 0"Sous le plus grand chapiteau du monde, partie 1"

néon rouge de Claude Lévêque, pyramide du Louvre

 


 

   " La lumière et le son sont des moyens de métamorphose complète, affirme Claude Lévêque. Ce sont deux éléments primordiaux dans une sensation. Après viennent les textures, les images, les ambiances, les objets, etc. "


 

 

Lévêque chapiteau néon Louvre 3"Sous le plus grand chapiteau du monde, partie 1"

néon rouge de Claude Lévêque, pyramide du Louvre

 

 

       

 

 

Claude Lévêque,  "Sous le plus grand chapiteau du monde, partie 1"

Pyramide du Louvre, Paris

Du 2 avril 2014 à l'automne 2015

 


 

 

Loris-Gre-aud-statue-touriste-Louvre.jpgOeuvre de Loris Gréaud sous la pyramide du Louvre

touristes se photographiant

 

 


 

L'art contemporain au Louvre sur ce blog:

Ruines et reconstructions, Makom de Michal Rovner, d'Israël au Louvre

 Soulages au Louvre: outrenoir et maîtres italiens de la Renaissance

Kosuth au Louvre, néons, confusion et désorientation

Louvre: Umberto Eco, vertige de la liste, énumérations, catalogue etc ...


 

 

Lévêque chapiteau néon Louvre 6"Sous le plus grand chapiteau du monde, partie 1"

néon rouge de Claude Lévêque, pyramide du Louvre

 

 

 

Palagret

L'art contemporain au Louvre

avril 2014

 

 

Sources:

1- 20 minutes

 

 

 

 

 

    Ni Arte Povera, ni land art, art concret ou art minimal, les oeuvres de Lee Ufan appartiennent au courant japonais Mono-ha (l'école des choses). Les plasticiens du courant mono-ha veulent réapprendre " à voir le monde tel qu’il est, sans en faire l’objet d’un acte de représentation qui l’oppose à l’homme ". Ils utilisent des objets naturels comme la pierre, la terre et des matériaux industriels. L'artiste ne crée pas, il réarrange des choses existantes et attire l'attention du spectateur sur l'espace autour.

 

 

 

Lee Ufan Relatum musée Chasse 9Relatum, le repos de la transparence, Lee Ufan

acier, verre, pierres. 2013

Musée de la Chasse et de la Nature, Paris

 

 

 

    Avec une grande économie de moyens, Lee Ufan crée des oeuvres poétiques, méditatives, silencieuses.

 


 


Lee Ufan au Musée de la chasse par Palagret

 

 

 

  « Tout se passe entre les choses, elles ne sont là que pour révéler l’espace qui les entoure.  «Je m'appuie toujours sur la formation traditionnelle reçue dans ma jeunesse dont le mode expressif et productif commence avec la concentration, un souffle ample et stable, pour donner lieu à la rencontre des formes organiques de la pensée, de la main, du pinceau, des couleurs, de la toile, de l'air et du temps.»

 

 

 

Lee Ufan Relatum musée Chasse 7Relatum, le repos de la transparence, Lee Ufan

Musée de la Chasse et de la Nature, Paris

 

 

 

         « Refuser l’expression, poser et disposer plutôt que créer, privilégier le rare et le peu. »

 

 

 

Lee-Ufan-Naoshima-by-perke.jpgLee Ufan, musée de Naoshima

 

 

 

 

   Après Giuseppe Penone, l'artiste coréen Lee Ufan sera bientôt exposé dans les jardins de Versailles en juin 2014. Son oeuvre minimaliste y dialoguera avec les parterres brodés de buis de Le Nôtre et ses amples perspectives.

 

 

 

Lee-Ufan-museum-by-da5ide.jpgLee Ufan, musée de Naoshima

 

 

 

 

Lien sur ce blog:

Giuseppe Penone, Elevazione et idée de pierre à Versailles dans le bosquet de l'étoile

 

 

 

 

Lee Ufan, Relatum la transparence des choses

Musée de la Chasse et de la Nature

Paris

 

 

Palagret

sculpture Mono Ha

mars 2014

 


Sources: 

An introduction to mono-ha

Lee Ufan, maître zen

Lee Ufan, langage du vide


 

   Avec une table de dissection parsemée de mousse, une ancienne machine à coudre renversée et un parapluie cassé, Agnès Varda illustre la citation de Lautréamont du sixième chant de Maldoror: « beau comme la rencontre fortuite sur une table de dissection d’une machine à coudre et d’un parapluie ! » Cette phrase que les surréalistes adoraient n'a évidemment ni queue ni tête et est encore plus drôle une fois concrétisée par des objets.

 

 

 

Agnès Varda beau comme la rencontre fortuite 1"Beau comme la rencontre fortuite", triptyque d'Agnès Varda

 

 

 

   A côté de l'installation, une pile de papiers est offerte au visiteur.  En dépliant le papier on y lit la citation de Lautréamont. Comme les autres oeuvres de l'exposition, "Beau comme la rencontre fortuite" est aussi un triptyque.

 

 

 

 

Agnès Varda beau comme la rencontre fortuite 5Servez vous, Agnès Varda

 

 

 

   La phrase d'Isidore Ducasse, Comte de Lautréamont est souvent citée ... et tronquée. On oublie qu'en fait il décrivait un jeune homme avec plusieurs comparaisons tout aussi loufoques.    

"Il a seize ans et quatre mois: il est beau comme la rétractilité des serres des oiseaux rapaces; ou encore, comme l'incertitude des mouvements musculaires dans les plaies des parties molles de la région cervicale postérieure; ou plutôt, comme ce piège à rats perpétuel, toujours retendu par l'animal pris, qui peut prendre seul des rongeurs indéfiniment, et fonctionner même caché sous la paille; et surtout, comme la rencontre fortuite sur une table de dissection d'une machine à coudre et d'un parapluie !" Chant VI, I

 

 

 

Agnès Varda beau comme la rencontre fortuite 2"Beau comme la rencontre fortuite", installation d'Agnès Varda

 

 

 

 

 

Agnès Varda

Triptyques Atypiques 

Galerie Nathalie Obadia

Du 8 février au 5 avril 2014  

Rue du Cloître Saint-Merri, Paris 

 


 

Agnès Varda beau comme la rencontre fortuite 6"Beau comme la rencontre fortuite"

 

 

 

Palagret

art et surréalisme

mars 2014

 

 

 

Galerie Obadia

 

 


 

   Arno Gisinger lutte contre l'oubli. Son oeuvre Invent Arisert, titre évoquant inventaire et aryanisation, est une installation de 648 photographies, un sinistre répertoire des objets disparus ou confisqués par les nazis à des familles juives autrichiennes au cours de la Seconde Guerre mondiale. 

 

 

 

Gisinger Invent arisiert Nouveau festival Oubli Beaubourg 3Invent Arisert d'Arno Gisinger, installation photographique

Allégories d'oubli, Le nouveau Festival, Centre Pompidou


 

         L'installation a été réalisée à la demande du Mobilier national autrichien qui a entrepris de restituer les biens volés aux survivants, quand c'est possible. Elle est exposée aujourd'hui dans le cadre d'"Allégories d'oubli" pour le Nouveau festival à Beaubourg

 

 

 

Gisinger Invent arisiert Nouveau festival Oubli Beaubourg 9Invent Arisert d'Arno Gisinger, installation photographique

Allégories d'oubli, Le nouveau Festival, Centre Pompidou


 

 

oeuvres volées par les nazi Hitler GöringHitler et Göring contemplant un tableau volé à des déportés juifs ou à des musées en territoires occupés

 

 

 

   Dans Invent Arisert, les photos qui ne portent qu'un mot et une référence correspondent aux biens disparus. Sur trois murs s'affichent des oeuvres d'art et des objets précieux ou dérisoires volés à leurs propriétaires. Une liste tient à jour l'état des restitutions.

 

 

 

Gisinger Invent arisiert Nouveau festival Oubli Beaubourg 2Invent Arisert d'Arno Gisinger, installation photographique

Allégories d'oubli, Le nouveau Festival, Centre Pompidou

 

 

 

   Le froid recensement des biens volés par Arno Gisinger symbolise les vies volées de l'holocauste. Les biens non restitués sont encore aujourd'hui un sujet d'actualité. En novembre 2013 on découvre la collection de Cornelius Gurlitt à Munich. Des Picasso, Matisse, Klee, Chagall, Nolde ou Max Beckmann, volés aux juifs et toujours en possession de Gurlitt soixante-dix ans après.

 

 

 

Monument men oeuvres volées par les nazi 2Un Rembrandt volé par les nazis, découvert par les Monument Men

 

 

 

 

    On apprend alors que le parquet d'Augsbourg tient au secret, depuis un an et demi, le plus gros fonds jamais découvert d'oeuvres disparues pendant la période nazie. L'état allemand n'a rien fait pour essayer de rendre ces oeuvres dont certaines ont été vendues par Gurlitt et autres profiteurs à des marchands d'art qui ne se sont pas trop posé de questions.



 

Gisinger Invent arisiert liste Nouveau festival Ou-copie-1Invent Arisert d'Arno Gisinger, liste des biens volés

Allégories d'oubli, Le nouveau Festival, Centre Pompidou

 

 

 « Près de soixante-dix ans après la fin du IIIe Reich et de la Seconde Guerre mondiale, après la perte de 60 millions d'êtres humains et après d'incroyables souffrances, nous discutons hélas encore des conséquences de la spoliation d'oeuvres d'art par les nazis. Ces oeuvres sont partout. Elles sont accrochées dans les bureaux des ministères, dans les musées et les collections privées. Mais elles devraient être rendues aux victimes de l'Holocauste et à leurs héritiers. L'une des raisons principales pour lesquelles ce problème n'est toujours pas résolu réside dans les lacunes de la loi allemande sur la restitution des oeuvres volées sous le nazisme. » déclare Ronald S. Lauder, président du Congrès Juif Mondial. 1

 

 

 

Gisinger Invent arisiert liste Nouveau festival Oubli BeaubInvent Arisert d'Arno Gisinger, liste des biens volés

Allégories d'oubli, Le nouveau Festival, Centre Pompidou

 

 

    En voyant les photos documentaires d'Arno Gisinger, on imagine le Reichsmarschall Hermann Göring, Albert Speer ou Alfred Rosenberg et leurs sbires pillant les trésors privés des déportés pour leur propre collection ou pour constituer celle du futur musée du Furher à Lindz en Autriche.

 

 

 

Monument men oeuvres volées par les nazi 3Tableau volé par les nazis, découvert par les Monument Men dans une mine

 

 

 

   Le film de George Clooney "Monument men" retrace l'histoire vraie de sept hommes (des directeurs et des conservateurs de musées, des artistes, des architectes, et des historiens d’art ). Pendant la seconde guerre mondiale, au cœur du conflit, ils retrouvent des œuvres d’art volées par les nazis pour les restituer à leurs propriétaires légitimes. Pour tenter d’empêcher la destruction de mille ans d’art et de culture, ces Monuments Men vont se lancer dans une incroyable course contre la montre, en risquant leur vie pour protéger et défendre les plus précieux trésors artistiques de l’humanité…


 

 

Monument men oeuvres volées par les nazi 4Tableaux volés par les nazis, retrouvés par les Monument Men

 

 

 

Gisinger Invent arisiert Nouveau festival Oubli Beaubourg 1Pendule et tableau, Invent Arisert d'Arno Gisinger, installation photographique

Allégories d'oubli, Le nouveau Festival, Centre Pompidou

 

 

 

Un nouveau festival

19 février - 10 mars 2014

Centre Pompidou, Paris

 

 

Palagret

art contemporain

février 2014 

 

 

 

Liens:

Site Gurlitt

 

 

 

 

 

Palagret

oeuvres d'art et spoliation 

mars 2014

 

 

Sources:

1- in Marianne: Allemagne, la face brune du marché de l'art

 



 


 

   Griffonné par Marcel Duchamp, un petit mot sur un bout de papier sert de titre à "Allégories d'oubli", l'exposition du Nouveau Festival 2014 au centre Pompidou. On ne sait s'il s'agit d'une note soigneusement gardée par le plasticien ou d'un débris retrouvé dans les archives de Marcel Duchamp. Exposé à l'entrée de l'exposition, le précieux papier a lui été sauvé de l'oubli.

 

 

 

 

Duchamp allégorie d'oubli Nouveau festival Beaubourg 3Marcel Duchamp, Allégorie d'oubli, 1912 - 1968
Mine graphite au revers d'une feuille ronéotypée, 7,1 x 9,2 cm

 

 

 

Le cartel nous informe:

"Vers 1930, Marcel Duchamp tente de circonscrire sa notion d'inframince en quarante-six notes "flottantes". Cette idée est définie dès la première note, dans une assertion qui ouvre autant qu'elle referme le champ du possible: "Le possible impliquant le devenir - le passage de l'un à l'autre a lieu dans l'inframince. Allégorie de l'oubli." Duchamp poursuit ensuite sa réflexion en affirmant que "L'allégorie (en général) est une application de l'inframince". Signalant l'expérience hasardeuse et éphémère du public qui "aperçoit et oubli immédiatement", cette note écrite à la volée par Marcel Duchamp suggère ici son titre à la manifestation."

 

 

 

Duchamp allégorie d'oubli Nouveau festival Beaubourg 4Marcel Duchamp, Allégorie d'oubli, 1912 - 1968

Mine graphite au revers d'une feuille ronéotypée, 7,1 x 9,2 cm

 

 

 

 

   L'inframince est un concept esthétique étudié par Marcel Duchamp. L'inframince désigne une différence ou un intervalle imperceptible, parfois seulement imaginable, entre deux phénomènes. Exemple: Séparation inframince entre le bruit de la détonation d’un fusil (très proche) et l’apparition de la marque de la balle sur la cible. — (Marcel Duchamp cité par Manuela De Barros, Duchamp & Malevitch: Art & théories du langage). 1

 

 

 

Jean-Pierre Criqui, co-commissaire de l'exposition "Allégories d'oubli":

 " L’oubli est une composante du fonctionnement de la mémoire, un phénomène historique aussi bien que personnel. Il serait assez difficile de trouver une œuvre qui n’aurait pas à voir avec la mémoire. Mais l’oubli est assez paradoxal en ce qui concerne les arts visuels. Alors qu’il est présent dans bien des œuvres littéraires ou cinématographiques, le représenter au moyen d’un tableau, d’une photographie ou d’une sculpture, notamment, ne va pas de soi. C’est par des approximations, des phénomènes qui lui sont proches, qu’il peut se dire visuellement: j’entends par là l’effacement, la disparition, la dissimulation…, ou par des phénomènes de réification. ... 

 

  L’oubli se montre donc le plus souvent par le biais d’une figure, d’une métaphore, d’où le terme « allégorie ». Nous aurions pu y préférer le mot « métaphore ». Mais nous avons retenu « allégorie », à cause de cette feuille de Marcel Duchamp intitulée Allégorie d’oubli. Sous le registre du mot « allégorie », il y a cette idée de saisir quelque chose de l’oubli, soit à travers un message verbal, soit à travers une représentation." 2


 

 

Rusha-books-Nouveau-festival-Alle-gories-de-l-oubli-Beaubo.jpgSmythsons books (I forgot to remember, I remembered to forget)

version Mayfair et Panama, 2009, Ed Rusha

 

 

 

   Deux oeuvres conceptuelles de l'artiste américain Ed Ruscha sont exposés. Les carnets en cuir relié portent en titre deux phrases contradictoires: "I forgot to remember", "I remembered to forget". J'ai oublié de me rappeler. Je me suis souvenu d'oublier". Des phrases qu'Ed Rusha décline sur plusieurs supports, sur des paravents ou sur des agendas vendus à 200 exemplaires. Mieux que de faire un noeux à son mouchoir pour ne pas oublier?

 

 

 

Un nouveau festival

19 février - 10 mars 2014

Centre Pompidou, Paris

 

Palagret

art contemporain

février 2014

 

 

Sources:

1-Wikitionary

2- Centre Pompidou, Allégorie d'oubli

 


 

   Dans le Salon de la Guerre de Versailles, tournoie "Coeur indépendant", un grand coeur noir qui semble fait de dentelle. De près, on distingue des couverts de plastique soudé. La sculpture de Joana Vasconcelos se détache sur les plafonds peints par Charles Le Brun, exaltant les victoires militaires de Louis XIV. Choc des cultures: louange et admiration du Roi-Soleil d'un côté, dérision et humour de l'art contemporain de l'autre, apparat et univers domestique. Ici les angelots ne parlent pas d'amour mais de victoire guerrière. Choc des matières: banal plastique du quotidien face aux dorures et aux stucs du Salon carré. 


 

 

Vasconcelos Versailles Coeur indépendant noir 0938Coraçao Independente Preto de Joana Vasconcelos, salon de la Guerre, Versailles

 

 

  

Les "coeurs indépendants noir et rouge" de Joana Vasconcelos s'inspirent des coeurs de Viana, des bijoux traditionnels portugais, porte-bonheur des mariées qui se le transmettent de mère en fille. Ce bijou gri-gri est ici détourné en sculptures monumentales en plastique tordu sous la chaleur pour former ces coeurs ajourés. Un coeur noir comme la mort dans le Salon de la Guerre, un coeur rouge comme la passion dans le Salon de la Paix. Des coeurs indépendants, loin de l'esprit de soumission qui régnait à la cour de Versailles.


 

 

Vasconcelos Versailles Coeur indépendant rouge 0980Coraçao Independente Vermelho de Joana Vasconcelos, salon de la Paix, Versailles

 

 

 

     Le Salon de la Paix était le salon de Marie-Antoinette, la reine décapitée à la Révolution, une mère qui n'eut pas le temps de transmettre un bijou à ses filles.

 

 

   Sculptures cinétiques, les coeurs accrochés au plafond sont mus par un moteur et tournent lentement sur eux-mêmes. Pour ne pas troubler les visiteurs du château de Versailles, la musique triste de fado qui devait accompagner les coeurs tournoyants de Joana Vasconcelos a été supprimée.


 


 

Dossier de presse:

Les œuvres ont trouvé leur titre – Cœur Indépendant– dans l’un des vers du Fado « Étrange Forme de Vie », dont les paroles soulignent le conflit entre l’émotion et la raison. La forte présence des référents musicaux dans l’installation via la voix d’Amalia Rodrigues, diva de la musique portugaise offre une réminiscence des concerts donnés autrefois par Marie Leszczinska dans le salon de la Paix et rappelle le rôle important qu’elle jouait dans la vie musicale de Versailles.


 

 

Vasconcelos Versailles Coeur indépendant noir 0948Coraçao Independente Preto de Joana Vasconcelos, salon de la Guerre, Versailles

 

 

 


Emouvante installation cinétique et sonore, Cœur Indépendant se présente comme un puissant diptyque dédié à la passion et à la mort, thèmes récurrents dans les paroles du fado, qui dialoguent ici avec les thématiques de la paix et de la guerre, présentes dans les peintures éloquentes de Charles Le Brun et François Lemoyne.

 

 

 

Vasconcelos Versailles Coeur indépendant rouge 0983Coraçao Independente Vermelho de Joana Vasconcelos, salon de la Paix, Versailles

 

 

 


"Joana Vasconcelos Versailles" 

Château de Versailles, Versailles. 

Entrée : 18 €.

Du 19 juin au 30 septembre 2012.


 

 

 Vasconcelos Versailles Coeur indépendant rouge 0987Coraçao Independente Vermelho de Joana Vasconcelos, salon de la Paix, Versailles

 

 

 

 

Liens sur ce blog:

Joana Vasconcelos à Versailles: lilicopter, un hélicoptère en plumes roses au milieu de mâles révolutionnaires

Joana Vasconcelos: la noiva (la mariée), un lustre d'une blancheur virginale exilé au 104

Joana Vasconcelos, contamination textile à Versailles en juin 2012

Mary Poppins à Versailles, sculpture molle hallucinatoire de Joana Vasconcelos

 

 

 

 

 

Palagret

art contemporain et patrimoine

septembre 2012

 

 

 


 

  Esprit des temps modernes, la tête mécanique de Raoul Hausmann est une sculpture-assemblage dans l'esprit Dada. Elle est faite de divers objets ou morceaux utilisés tels quels. La tête de bois est une marotte, tête produite en série, anonyme et sans expression. Le terme technique marotte désigne une tête de mannequin de vitrine présentant des coiffures ou des chapeaux.

 

 

 

Raoul Hausmann tête mécanique esprit de notre temps 6"Tête mécanique ou l’Esprit de notre temps", Raoul Hausmann, 1919

32,5 x 21 x 20 cm

 

 

 

    Raoul Hausmann décrit ainsi son oeuvre "Der Geist Unserer Zeit - Mechanischer Kopf":

 

 "Je pris alors une belle tête en bois, je la polis longuement avec du papier de verre. Je la couronnai d'une timbale pliable. Je lui fixai un beau porte-monnaie derrière. Je pris un petit écrin à bijoux et le plaçai à la place de l'oreille droite. J'ajoutai encore un cylindre topographique à l'intérieur et un tuyau de pipe au côté gauche. Eh oui, j'avais envie de changer de matériel. Je fixai sur une régle en bois une pièce de bronze enlevée à un vieil appareil photographique suranné et je le regardai. Ah il me fallait encore ce petit carton blanc portant le chiffre 22, car, évidemment, l'esprit de notre temps n'avait qu'une signification numérique."

 

 

 

 

Raoul Hausmann tête mécanique esprit de notre temps 3"Tête mécanique ou l’Esprit de notre temps", "Der Geist Unserer Zeit - Mechanischer Kopf"

 Raoul Hausmann, vers 1920

 

 

 

         Pendant la guerre de 14-18, les soldats allemands utilisaient un gobelet métallique télescopique semblable. Un coeur est gravé sur le gobelet, seule touche d'humanité de la sculpture. Un ruban de couturière de 10 cm est collé sur le front. Le porte-feuille en peau de crocodile est déplié, on y lit le nom et l’adresse du fabriquant « …wein Berlin Budapest… ». 

 


        

 Raoul Hausmann tête mécanique esprit de notre temps 4"Tête mécanique ou l’Esprit de notre temps", Raoul Hausmann, vers 1920

Beaubourg

 

 

 

   L'oreille droite de la tête mécanique est bouchée par une règle de bois de 20 cm et une réglette de métal crantée avec deux molettes de réglage. Deux clous sont plantés de chaque côté du crâne. La tête blessée, réparée pourrait être celle d'une gueule cassée de la Grande Guerre.

 

 

 

Raoul Hausmann tête mécanique esprit de notre temps 7"Tête mécanique ou l’Esprit de notre temps", "Der Geist Unserer Zeit - Mechanischer Kopf"

 Raoul Hausmann, vers 1920

 

 

 

   "L'esprit du temps" est une tête sans émotion couverte d'instruments de mesure, une tête reconstruite avec des éléments mécaniques comme une créature de Frankenstein de l'ère technologique, un robot ou un androïde comme Maria de Metropolis. Les objets à l'extérieur du crâne déterminent les "pensées" de l'homme, le définissent, et non son esprit.

 

 

 

Raoul Hausmann tête mécanique esprit de notre temps 2"Tête mécanique ou l’Esprit de notre temps", Raoul Hausmann, vers 1920

 

 

 

   Comme les collages sur papier des dadaïstes et des surréalistes, la Tête mécanique est un assemblage, non une sculpture au sens stricte du terme. Agrégeant des objets divers, la tête mécanique est une métaphore des temps modernes. L'homme nouveau n'est plus qu'une mécanique, sa parole est normalisée, son intelligence se mesure à son front bombé et il n'entend qu'à travers son porte-feuille (déjà la socièté de consommation) ou à travers des instruments.

 

 

Raoul-Hausmann-portrait.jpg Portrait photographique de Raoul Hausmann

 

 

    Raoul Hausmann écrit en 1967, dans le catalogue de sa rétrospective au Moderna Museet de Stockholm que le défaut des hommes est de penser comme des machines; il a « découvert que les gens n’ont pas de caractère et que leur visage n’est qu’une image faite par le coiffeur. Leur cerveau est vide. (…) Leurs seules capacités sont celles que le hasard leurs a collées à l’extérieur du crâne. Je voulais, précise-t-il, dévoiler l’esprit de notre temps, l’esprit de chacun dans son état rudimentaire. »

 

 

   Au contraire des portraits et bustes de l'art occidental, des grecs à la Renaissance jusqu'au 19è siècle le visage de la marotte à un air neutre, sans expression, ses yeux sont vides. L'homme nouveau des dadaïstes serait-il un robot?

 

   Raoul Hausmann (1886 - 1971) surnommé le Dadasophe est le co-fondateur du mouvement Dada en Allemagne. Il invente le photomontage et le poème optophonétique.

 

«Un jour il était photomonteur, l'autre peintre, le troisième pamphlétaire, le quatrième dessinateur de mode, le cinquième éditeur et poète, le sixième "optophonéticien" et le septième il se reposait avec son Hannah.» disait de lui son ami le dadaïste Hans Richter.

 

 

 

Palagret

dadaïsme

février 2014

 

 

 

 

 

 

 

Biographie de Raoul Hausmann (1886 – 1971) 

 

 

 

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