Insectes, cerveaux, crânes, squelettes, les sujets obsessionnels de Jan Fabre nous parlent de mort. Le gisant, une tradition de la sculpture occidentale, sublime le corps pourrissant. Jan Fabre revisite ces vanités avec dérision, nous invitant à méditer sur la fragilité de la vie. Le plasticien flamand se définit comme un "guerrier de la beauté, chevalier du désespoir". 

 

 

 

Elizabeth Caroline Crosby, gisant de Jan Fabre

 

 

 

    Les corps sont délicatement sculptés en marbre de Carrare avec un grand réalisme. Poursuivant son dialogue entre art et science, Fabre représentent deux scientifiques, Elizabeth Caroline Crosby (1918-1983), neuro-anatomiste américaine et Konrad Lorenz (1903-1989), biologiste et zoologiste autrichien. Deux explorateurs des mystères du cerveau présentés comme des défunts royaux et qui, selon l'artiste, ressemblent à ses parents.

 

 

 

Effet de voile transparent, Elizabeth Caroline Crosby, gisant de Jan Fabre

 

 

 

    Pourquoi représenter Konrad Lorenz, connu pour ses sympathies nazis? Jan Fabre répond à Inferno: " Honnêtement je pense que ça appartient à l’histoire, à un moment précis de l’histoire – et je ne veux pas juger. Mon travail défend la vulnérabilité du genre humain".

 

 

 

Elizabeth Caroline Crosby, gisant de Jan Fabre

55  x195 x74 cm

sculpture inspirée du Christ voilé de Giuseppe Sanmartino à Naples (1753)

 

 

 

 

    Allongée sur un matelas brodé, le corps de Lady Crosby est couvert d'un léger voile. La femme semble endormie. Un ver se glisse sous le tissu, signe de décomposition, ou selon Jan Fabre, une allégorie de la fertilité. Le papillon posé sur le visage de la défunte est un symbole de résurrection comme les abeilles, araignées, scarabées. Ces insectes ont le même rôle que les lions et les chiens psychopompes (guides des âmes) aux pieds des sépultures royales. Autour des gisants, les cerveaux posés sur des socles sont comme des globes, des univers. Ils sont coiffés d'insectes, délicat papillon semblant butiner les circonvolutions de marbre ou araignée nichée dans une feuille hésitants entre la vie et la mort.

 

 

 

Trois insectes, Elizabeth Caroline Crosby, gisant de Jan Fabre

 

 

 

 

   Les gisants et les cerveaux de marbre blanc sont exposés comme dans une chambre funéraire, calme et silencieuse. Pour Fabre une exposition est une mise en scène, une dramaturgie et bien sûr un acte spirituel. "L'art tel que je le perçois est un moyen de défense de la vulnérabilité de notre état d'humain, de défense de la vulnérabilité de la beauté." 1

 

 

 

The silk spun in the brain, 2012

marbre, 25 x19 x15 cm, Jan Fabre

 

 

 

 

   Après les Piétas de la Biennale de Venise en 2011, des cerveaux monumentaux et "compassionate dream", une réinterprétation de la pieta de Michel-ange où un crâne remplace le visage de la vierge et le corps de Jan Fabre le corps supplicié du Christ, l'artiste flamand continue son exploration des vanités. Non sans humour comme en témoigne l'intitulé de ses sculptures: The silk spun in the brain, Origin of the state of foolishness, the whims of the brain of the Lime-stick man, Water-ballet of th brain (finale), the greedy and holy eyes of the brain, the golden jelly of the brain.

 

 

Carnivorous brain, of the spider that wanted to change the world, 2012

marbre, 37 x19 x16 cm, Jan Fabre

 

 

 

 

 

 

 

 

     Jan Fabre est un plasticien et non un sculpteur. De talentueux marbriers de Carrare ont réalisé les oeuvres d'après les idées et les croquis de l'artiste. Les gisants de la Renaissance exprimaient la spiritualité d'une société et les sculpteurs y mettaient toute leur foi. Jan Fabre lui joue avec l'idée des vanités et de la résurrection et comme beaucoup de stars de l'art contemporain il ne réalise pas lui-même ses sculptures. Comme Jeff Koons, Murakami, Damian Hirst, Jan Fabre emploie de nombreux techniciens dans son atelier d'Anvers.

 

 

 

Dossier de presse:

Né en 1958 à Anvers, Jan Fabre est reconnu depuis la fin des années 1990 pour son œuvre d’homme de théâtre, de plasticien et d’auteur. Il s’intéresse depuis 1976 à l’art de la performance, et se lance en 1980 dans la mise en scène et la chorégraphie. Depuis, il a réalisé une trentaine de pièces mêlant danse et théâtre, dont la radicalité déclenche régulièrement la polémique, comme Je suis sang (2000) ou L’Orgie de la Tolérance (2009). En mai 2013 il présentera au Théâtre de la Ville à Paris The Tragedy of a Friendship consacré à la relation entre Nietzsche et Wagner.

Dessinateur invétéré, Jan Fabre crée des sculptures, modèles et installations qui font vivre ses grands thèmes de prédilection tels que la métamorphose ou l’artiste comme guerrier de la beauté. Parmi ses expositions personnelles les plus marquantes ces dernières années on peut citer celle du Museum voor Hedendaagse Kunst à Anvers en 2006 et du Musée du Louvre en 2008. Récemment, l’artiste a fait l’objet d’expositions au Kröller-Müller Museum d’Otterlo au Pays-Bas (Hortus/Corpus, 2011), au Kunsthistorisches Museum de Vienne et au Musée d’art moderne de St Etienne (Jan Fabre. Les années de l’heure bleue, 1986 – 1991, 2011).  

 

 

 

 

Jan Fabre : Gisants

Du 28 février au 20 avril 2013

Galerie Daniel Templon Paris.

 

 

 

Liens sur ce blog:

Les curieuses chimères de Jan Fabre à la galerie Daniel Templon

 

Autres liens:

Entretien avec Jan Fabre in Inferno

Les pietas de Jan Fabre à la Biennale de Venise, vidéo

 

 

Palagret

art contemporain

mai 2013

 

 

? !, ex situ à Beaubourg, atelier de RERO

 

 

 

    Do not cross the line, ne franchissez pas la ligne, est inscrit sur l'escalator de Beaubourg. Aujourd'hui RERO et six autres artistes de rue franchissent la ligne qui sépare l'art de la rue du musée. RERO inscrit ironiquement cet avertissement sur la chenille du musée en caractères verdana barré, sa marque de fabrique; la barre met en doute l'affirmation. La phrase ambigüe se voient de loin. 

 

 

 

Do not cross the line, intervention de RERO sur l'escalator de Beaubourg

 

 

 

 

   A l'intérieur du centre Pompidou au studio 13/16, RERO inaugure une résidence d'artiste dédiée à l'art urbain. Sur le thème de la fin, les participants sont invités à composer des phrases à partir des lettres fournies par l'artiste puis à les coller sur les murs du studio. Ce n'est pas si facile. Le papier se gondole, la brosse dérape et la colle coule sur la main mais peu à peu les phrases se recouvrent, se répondent et se contredisent, en français et en anglais.

 

 

 

RERO, ex situ, lettres barrées

 

 

 

 

    Le studio 13/16 est réservé aux adolescents mais en ce jour de vernissage il y avait autant d'adultes que de jeunes à jouer avec les lettres pré-découpées. Au plafond, un appareil photo prenait un cliché régulièrement pour garder la trace de cette joyeuse effervescence.  Chaque jour RERO choisira un thème différent (cliché, WYSIWYG etc ... ). Voir la video de la performance ici 

 

 

 

Proposition de RERO sur le thème de The end (la fin)

 

 

 

 

 

Dossier de presse:

À mi-chemin entre art urbain et art conceptuel, le plasticien RERO interroge notre société, et plus particulièrement le statut de l’image et les codes de la propriété intellectuelle à travers un acronyme qui apparaît régulièrement dans ses œuvres : WYSIWYG (What You See Is What You Get). Détournement et autocensure (il barre lui-même d’un trait épais ses propres slogans) sont les maîtres mots de ses recherches sur la négation de l’image.

 

 

 

FINISH, lettres barrées de RERO

 

 

 

    Travaillant en extérieur depuis de nombreuses années, Rero investit depuis 2009 l’espace clos du musée ou de la galerie pour en repousser les limites et recréer un lieu privilégié d’interaction avec les autres.

 

 

 

 

 

 

BLADE, lettres barrées de RERO

 

 

 

 

Le Studio 13 /16 du Centre Pompidou, premier espace dédié aux adolescents dans une grande institution culturelle, présente Ex Situ, une nouvelle programmation consacrée à l’art urbain.

Le terme « Ex situ » désigne une technique de conservation « hors site » c’est-à-dire hors du milieu naturel. Ex situ explore les modes de présentation de l’art urbain hors de son milieu naturel qu’est la rue. Il se développe donc autour de plusieurs axes : respecter les fondamentaux et les codes de l’art urbain, réaliser des créations in situ, entreprendre une réflexion et des interventions en lien avec un espace donné et se confronter au côté éphémère de cet art.

 

 

 

Les murs du studio 13/16 après une après-midi de happening, lettres barrées de RERO

 

 

 

 

Pour Ex situ, le Studio 13 /16 s’anime au fil des résidences des artistes : RERO, YZ, Ludo, JonOne, OX, Mark Jenkins et Vhils. Sous forme de performances collectives, ils invitent les adolescents à partager leurs processus créatifs et les différentes techniques de l’art urbain en prenant pour support l’espace lui-même : mur, cimaise, sol... au Studio, dans le Forum du Centre Pompidou et sur la Piazza. Ces workshops abordent les différents aspects de l’art urbain : travail in situ, exécution directe devant le public, adaptation au lieu donné, production éphémère...

 

mots collés, lettres barrées de RERO

 

 

 

 

Les évènements d'Ex Situ,  les éphémères:

Avant chaque résidence, les artistes réalisent des installations à l’intérieur ou à l’extérieur du Centre Pompidou qui mettent en avant l’aspect éphémère de l’art urbain. Grâce à l’architecture du bâtiment qui sera ainsi redécouverte, ces « éphémères » créent une ouverture sur la ville, et rendent visible l’expérience qui se déroule à l’intérieur.

Afin de laisser une trace artistique de l’expérience et des créations réalisées dans le cadre d’Ex situ, chaque cycle donnera lieu à la réalisation d’une courte vidéo. Au total, sept films seront réalisés puis diffusés, sur le site internet du Centre Pompidou et le Facebook du Studio 13/16.

 

 

 

mots collés, lettres barrées de RERO

 

 

 

 

 

Le kiosque tour

 Ex situ dépasse les murs du Centre Pompidou, le samedi 1er juin, pour investir des kiosques à journaux inexploités de la ville de Paris. Ainsi, sept kiosques à journaux seront rhabillés, repeints ou remodelés, par sept artistes et sept groupes d’adolescents franciliens, donnant lieu à un parcours original d’art urbain au cœur de la capitale. Parisiens, riverains, touristes ou amateurs d’art urbain auront donc l’opportunité d’assister à la création en direct du revêtement des kiosques, de rencontrer des street-artistes de renom, et de dialoguer avec les jeunes auteurs des installations.

Rendez-vous dans la rue, le samedi 1er juin, pour un après-midi « arty » à Paris !

• 122, boulevard Rochechouart, Paris 9e

• 13, boulevard Haussmann, Paris 9e

• 32, bis boulevard Haussmann, Paris 9e

• 75, rue Saint-Lazare, Paris 9e

• 90, avenue Ledru-Rollin, Paris 11e

• 139, avenue Daumesnil, Paris 12e • 20, rue de Lyon, Paris 12e

 

 

 

EX SITU

L’ART URBAIN PREND SES QUARTIERS AU STUDIO 13 /16

13 AVRIL - 16 JUIN 2013

studio 13/16, niveau -1, Centre Pompidou, Paris

 

Ouvert de 14h à 18h les mercredis, samedis et dimanches

 tous les jours pendant les vacances scolaires, sauf le mardi

 

 

 

Rero, du 13 au 21 avril

YZ, du 24 au 29 avril

Ludo, du 2 au 6 mai

JonOne du 8 au 15 mai

0X, du 18 au 26 mai

Vhils du 29 mai au 5 juin

Mark Jenkins du 8 au 16 juin

 

 

 

Liens sur ce blog:

Rero à la galerie Backslash: vide de sens ou error 404?

Les ironiques affiches sauvages de Rero

Mark Jenkins, street-art, un théâtre urbain à l'humour surréaliste

Rero, video d'ex situ à Beaubourg, lettres barrées

RERO, ex situ, autres thèmes

 

 

Image negation, site de Rero

 

 

Palagret

happening et street-art

avril 2013

 

 

 

 

   ARRRGH! est un cri de terreur, de surprise, devant l'incompréhensible, le différend, le monstrueux. Les 80 monstres de mode, mannequins bizarres, énigmatiques, surréalistes exposés à la Gaité Lyrique ne suscitent pas vraiment l'effroi, plutôt la surprise et l'amusement.

 

 

Rozalb de Mura, collection The Remains, printemps-été 2012

arrrgh! Monstres de mode, exposition à la Gaité Lyrique

 

 

 

 

 

  Monstres de mode, parade organisée par le collectif Atopos CVC, montre l'influence de l'art tribal, des jeux video, du design et de l'art contemporain dans l'imagination des créateurs de mode. Une mode excessive et théâtrale qui habille corps humains et chimères, une mode pas vraiment destinée à être portée sinon dans des fêtes carnavalesques.

 

 

Mareunrol's, collection Nightmare, 2006

arrrgh! Monstres de mode, exposition à la Gaité Lyrique

 

 

 

 

    Colorées, grotesques ou charmantes, ces créatures hybrides échappées des podiums appartiennent à la fois à la mode, à la scénographie et à la sculpture. Le corps humain y est déformé, camouflé ou réduit à une épure. Comme pour des avatars ou des costumes cosplay, toutes les fantaisies sont permises. De la très classique coiffe-cygne de Mads Dinesen aux silhouettes boursoufflées d'Edwin Wurm et à la boule de peluches à pattes de Piers Atkinson. 

 

 

 

Manon Kündig, Van Beirendonck et Erwin Wurm,

 arrrgh! Monstres de mode, exposition à la Gaité Lyrique

 

 

 

 

    Toutes sortes de tissu mais aussi de cheveux (Charlie Le Mindu), bois, plastique, mousse, habillent les étranges créatures aux déguisements dignes de ceux de Lady Gaga. Leur visage est souvent métamorphosé en coeur (Bas Kosters), mitraillette (Vettorello) ou cage (Vibskov). Il s'efface derrière des masques, couvert d'un sac à main (Andrea Crews) ou d'une cagoule (Rozalb de Mura). Le mannequin traditionnel au visage parfait et à la silhouette anorexique, starisé aujourd'hui dans les défilés, n'existe plus ici. Les monstres l'ont avalé.

 

 

Bas Kosters, Coeur, collection Love, fuck, yeah, 2013

Pierre-Antoine Vettorello, collection Bonnie Magum vs Samantha Beretta, 2009

 

 

 

 

   En passant à travers des murs de carton-pâte éventrés, les visiteurs arrivent dans une grande salle où ils déambulent librement au milieu des Monstres de mode, mannequins de plastique descendus de leur podium. Une musique hypnotique rythme la présentation immobile tandis qu'un chaos de néons blancs éclaire crûment le spectacle. Des enfants jouent avec de gros ballons noirs en frôlant les fragiles parures, peu effrayés par ces monstres plutôt gentils. Au fond, une salle obscure présentent des fantômes (Bas Kosters), un homme lapin (Kim Traeger), un ours aux bottes rouges (Mizuno), des chrysalides, corps creux en mousse blanche (Digitaria), un corps masque très art primitif (JP Lespagnard), un monstre squelette à la bouche écarlate (Nanogigantisme) etc ... 

 

   

 

 

Andrea Crews, autoportrait à la tronçonneuse, 2013, Van Beirendonck, costume d'opéra, 2012

arrrgh! Monstres de mode, exposition à la Gaité Lyrique

 

 

 

 

   La mode elle-même, la parure, est monstrueuse en infligeant au corps des contraintes extravagantes comme les pieds bandés des femmes en Chine, les cous démesurément allongés des femmes girafes en Afrique, les corsets asphyxiants en Europe des bourgeoises du XIXè siècle ou aujourd'hui les chaussures à talons improbables de Jimmy Choo. Pour être séduisants, les hommes et les femmes infligent à leur corps de vraies tortures. Les monstres de mode de la Gaité Lyrique n'en sont que l'expression exacerbée et ludique.

 

 

Craig Green, sculpture en collaboration avec David Curtis-Ring (en noir)

Henrik Vibskov, collection The solar donkey experiment, 2010

au fond fantômes de Bas Kosters, collection freedom womenwear 2009

   

 

  « C’est une exposition sur la monstruosité de la figure humaine. Je déteste la mode dans son système de valeurs mais il existe des créateurs très inventifs qui s’interrogent sur le rapport entre le corps et le vêtement et défient les canons esthétiques traditionnels. A travers leur filtre, le laid devient beau, et ils posent la question fondamentale de la différence. L’accepte-t-on ? », déclare Vassilis Zidianakis, d'Atopos. Son livre « Not a Toy, fashioning radical characters » a inspiré une exposition à Athènes en 2011 et aujourd'hui à la Gaité Lyrique.

 

 

 

Hideki Seo, be free, 2012

Chi He, Eat me, collection Oh my dog 2011

 

 

 

 

« Chez les Grecs anciens, un monstre désignait tout phénomène étrange, divin ou extraordinaire, comme l’arc-en-ciel par exemple. Mais qu’est-ce qu’un monstre aujourd’hui ? ». « Comment accepter quelque chose qui ne nous ressemble pas ? Qui nous fait peur ? C’est la question de la différence à laquelle il nous appartient de donner du sens ». Arrrgh !, « c’est un cri de surprise, de peur et d’angoisse ! Inquiétude refoulée vis-à-vis d’un autre différent, qui a l’air d’un monstre mais avec lequel nous aimerions bien communiquer».

 

.

 

 

Charlie Le Mindu, Kiss freak 2011, femme cheveux à plusieurs bouches

au fond, trois petits bonshommes jaunes, Pictoplasma d'après les personnages d'Akinori Oishi

 

 

 

 

 

Dossier de presse:

arrrgh ! Monstres de mode

 

Leutton Postle, 2012

arrrgh! Monstres de mode, exposition à la Gaité Lyrique

 

 

 

 

   "Le phénomène contemporain du character design est d’abord apparu aux États-Unis au début du XXe siècle et s’est largement développé au Japon dans les décennies qui suivent. Tout d’abord utilisé dans la publicité et la promotion de produits, c’est à partir des années 90 que ces créatures contemporaines ont inondé la production artistique et culturelle au niveau mondial. Elles apparaissent aujourd’hui sous de nombreuses formes artistiques, du street art aux jeux vidéo, en passant par le toys art, l’animation et le cinéma, le graphisme, le design d’objets ou de produits, envahissant les carnets de croquis des artistes et jusqu’à la haute couture, remettant en cause les normes esthétiques établies. Les créatures du character design sont abstraites, figurines au charme pictural puissant, audacieuses silhouettes aux traits singuliers. En quelques années, les représentations de créatures, parfois familières, souvent d’une inquiétante étrangeté, sont apparues au sein de nombreuses collections de designers. Elles ont envahi les podiums et les représentations esthétiques de la mode au sens large, brouillant les frontières entre costume et vêtement."

 

 

 

 

Heyniek, Foamboys x hyperbole, 2012

arrrgh! Monstres de mode, exposition à la Gaité Lyrique

 

 

 

 

 

"Après Pictoplasma, l’exposition dédiée au character design présentée en décembre 2011 à la Gaîté lyrique, les « post digital monsters » quittent les podiums et reviennent s’exposer.
Cette exposition présente une sélection de créateurs contemporains utilisant les figures et les expressions monstrueuses dans leur travail créatif, s’inspirant du design, de l’animation ou encore du dessin.
La représentation du corps humain, jamais nu, est questionnée à travers l’émergence d’un langage, créé par ces vêtements qui transforment les silhouettes et convoquent l’étrange. Au-delà d’une simple protection corporelle, le vêtement, révélateur d’une époque, affiche l’évolution des mœurs et des tendances."

 

 

 

Pixel Monster, Gary Card, 2007,

Pierre-Antoine Vettorello, collection Bonnie Magum vs Samantha Beretta, 2009

 Maison Martin Margiela, printemps-été 2009 (visage couvert) 

 

 

 

 

 

"Dans le monde de la mode contemporaine, le corps humain est constamment transformé, métamorphosé en être méconnaissable et étrange. Les designers expérimentent, donnent aux textiles des formes atypiques et créent des volumes extrêmes. Ils recouvrent et masquent les visages, ils habillent le corps en donnant naissance à des formes hybrides et extravagantes aux couleurs éclatantes et d’une surprenante abstraction.

Certains créateurs avant-gardistes dissimulent le visage de leurs mannequins et ainsi mettent un terme à une tradition de mannequinat incarné, ainsi qu’à une certaine définition objective de la beauté. Comme l’indique le titre d’une des performances imaginées par Charlie le Mindu et Atopos Mr & Mrs Myth, la tendance de la mise en scène de soi, de la mythologisation de sa propre identité prend davantage d’importance, à l’encontre de l’uniformisation. La mode ne s’arrête plus à l’image projetée mais s’intéresse maintenant à l’effet sur le corps autant que sur l’esprit de celui qui la porte."

 

 

 

Takashi Nishiyama, Gumdam couture, collection "we are all one - the hero of one" 2011

 

 

 

 

 

"Parallèlement à nos vies réelles, nous menons désormais des vies virtuelles et numériques sur internet. Nous créons et développons notre avatar personnel. De quoi se constitue l’identité dans une société mondialisée et séculière dans laquelle nous nous considérons autant citoyen du monde que membre d’une communauté locale ? Avec l’émergence de ces modes de vie connectés, les influences circulent et les références culturelles s’immiscent dans tous les domaines. La Gaîté lyrique, lieu d’investigation des questions de société à l’ère du numérique, s’empare de cette transversalité avec cette exposition au croisement de la mode et du character design."

 

 

 

Jean-Paul Lespagnard, collection George the bush, Tree hat, 2010

 

 

Liste complète des designers et artistes invités : 

ALEXANDER MCQUEEN (UK), ALEX MATTSSON (SE), ALEXIS THEMISTOCLEOUS (CY), ANDREA AYALA CLOSA (ES), ANDREA CAMMAROSANO (IT), ANDREA CREWS (FR), BART HESS (NL), BAS KOSTERS (NL), BERNHARD WILLHELM (DE), BORIS HOPPEK (DE), BRONWEN MARSHALL (UK), CASSETTE PLAYA & GARY CARD (UK), CHARLIE LE MINDU (FR), CHI HE (CN), CLAIRE MICHEL (FR), CRAIG GREEN (UK), DAVID CURTIS-RING (UK), DIGITARIA (GR), DR NOKI'S NHS (UK), ERIKA MIZUNO (JP), FREEKA TET (FR), FILEP MOTWARY & MARIA MASTORI (CY & GR), GEORGE TOURLAS (GR), HELEN PRICE (UK), HENRIK VIBSKOV (DK), HEYNIEK (NL), HIDEKI SEO (JP), ISABEL MASTACHE MARTINEZ (ES), ISSEY MIYAKE & DAI FUJIWARA (JP), JEAN-PAUL LESPAGNARD (BE), JOSEFIN ARNELL (SE), KIM TRAEGER (DK), LEUTTON POSTLE (UK), LUIS LOPEZ SMITH (UK), MADS DINESEN (DK), MAISON MARTIN MARGIELA (FR), MANON KÜNDIG (CH), MARCUS TOMLINSON - GARETH PUGH (UK), MAREUNROL’S (LV), ON AURA TOUT VU (FR), PERNILLA WINBERG (SE), PAUL GRAVES (US), PICTOPLASMA (DE), PIERRE-ANTOINE VETTORELLO (FR), PIERS ATKINSON (UK), REJINA PYO (KR), RICK OWENS (US), ROZALB DE MURA (RO), SHIN MURAYAMA (JP), SOTIRIS BAKAGIANNIS - THEPERSONWHODIDTHIS (GR), TAKASHI NISHIYAMA (JP), THE BRAINSTORM DESIGN (GR), TRACY WIDDESS (CA), TOMA STENKO (RU), URBAN CAMOUFLAGE (DE), WALTER VAN BEIRENDONCK (BE).

 

 

 

 

Commissaire de l'exposition: Vassilis Zidianakis

Scénographie de Stamos Fafalios.

 

 

Manon Kündig, collection Bowerbird, 2012

 

 

 

 

 

Arrrgh ! Monstres de Mode

Gaîté Lyrique, 3 bis rue Papin, 75003

Mardi-samedi : 14h-20h. Dimanche : 14h-18h

 du 13 février au 7 avril 2013

 

 

 

Liens sur ce blog:

Arrrgh! Monstres de mode, sculptures ou costumes à la Gaité Lyrique?

Les maîtres du désordre: costumes des fêtes d'hiver, suspension de l'ordre cosmique

 

 

Palagret

mode monstrueuse

février 2013

 

 

 

 

Source: 

Dossier de presse

 

 

    Nouer des sacs de plastique coloré sur un filet au milieu de l'atrium de la Gare Saint-Lazare, voilà une occupation ludique qui attire les badauds. Du 15 au 21 mai 2012, des centaines de voyageurs de la gare Saint-Lazare ont vu s'ériger au milieu de l'atrium une drôle de sculpture faite de banals sacs plastiques.

 

 

 

Plastic Bags, Pascale Marthine Tayou, Gare Saint-Lazare, Paris

 

 

 

 

    Le plasticien camerounais Pascale Marthine Tayou invitait les passants à contribuer à Plastic bags, oeuvre participative. Trois comédiens allaient chercher des volontaires dans la foule et une équipe constituée d'étudiants et du personnel de la Galleria Continua encadrait le travail. Une fois finie, la colonne compte 25 000 sacs biodégradables attachés à un filet et traverse les trois niveaux de l'atrium sur 10 mètres de haut. 

 

 

 

Plastic Bags, Pascale Marthine Tayou, Gare Saint-Lazare, Paris

 

 

 

 

    La sculpture se réfère aux Nymphéas de Claude Monet avec ses couleurs estompées. Ici dans l'atrium rénové de la gare, les couleurs franches - bleu, rouge, blanc, jaune, vert - des sacs se mélangent vu de loin mais la référence au peintre impressionniste n'est pas évidente. Le nom de Monet évoque cependant la gare Saint-Lazare puisque une série de douze tableaux dépeint la verrière enfumée par les locomotives à vapeur avec différents effets de lumière.

 

 

 

Plastic Bags, Pascale Marthine Tayou, Gare Saint-Lazare, Paris

 

 

 

 

   "J’espère que Monet ne se retourne pas dans sa tombe! Il s’agit pour nous de faire modestement une nouvelle proposition contemporaine", dit prudement  Pascale Marthine Tayou. 1

 

 

 

Plastic Bags, Pascale Marthine Tayou, Gare Saint-Lazare, Paris

 

 

 

 

    Le sac plastique incarne la surconsommation de nos sociétés, la prolifération des déchets, le gâchis des ressources de la planète et le problème du recyclage. Des sacs plastiques pourrissent l'environnement aussi bien en Occident qu'en Afrique ou en Asie. Conscient ou non de la signification symbolique de ces sacs ou de la dimension artistique de la colonne, les participants de mai accrochaient joyeusement les sacs. 

 

 

 

Plastic Bags, Pascale Marthine Tayou, Gare Saint-Lazare, Paris

 

 

 

 

    "Je suis avant tout un artiste visuel, je souhaite apporter une joie de vivre et une harmonie. Montrer que le plastique, le “mal”, peut porter le costume du “bien”. 1

 

   Depuis l'installation de la colonne en mai, la structure s'est légèrement affaissée, les sacs se sont tassés. Plastic Bags restera en place un an puis l'oeuvre sera peut-être réinstallée ailleurs. Les sacs plastiques sont biodégradables donc l'oeuvre finira par se détruire sous l'action de la lumière.

 

 

 

Plastic Bags, Pascale Marthine Tayou, Gare Saint-Lazare, Paris

 

 

 

 

 

   La gare Saint-Lazare voit passer 450 000 voyageurs par jour et un train toutes les 28 secondes. Dans cette ruche bruissante, l'oeuvre de Pascale Marthine Tayou haute de 10 mètres donne une note insolite à la halle blanche, ancienne Salle des pas perdus rénovée en centre commercial. Des centaines de banlieusards trop pressés empruntent les escalators qui relient les trois niveaux. Bien peu remarquent l'accumulation monumentale de sacs semblables à ceux qu'ils transportent. La sculpture est pourtant juste sous leurs yeux. C'est le destin des oeuvres dans l'espace publique. Il reste quand même quelques voyageurs qui se sont donné rendez-vous là et qui font les cent pas pour tuer le temps. Certains contemplent Plastic Bags avec perplexité ou amusement.

 

 

 

 

Video:Pascale Marthine Tayou rencontre Claude Monet... par ikonotv

 

 

 

   Pascale Marthine Tayou utilise ici l'accumulation et la profusion d'objets du quotidien comme dans ses sculptures exposées à La Villette ou sa colonne de casseroles exposée aux Tuileries pendant la Fiac 12.

 

 

 

Home sweet home, Pascale Marthine Tayou, La Villette, octobre 2012

 

 

 

Palagret

art contemporain dans l'espace public

janvier 2012

 

 

 

Colonne Pascale (détail), Pascale Marthine Tayou, Jardin des Tuileries

 

 

 

 

Lien:

Entretien avec Pascale Marthine Tayou

 

 

 

1- in 20minutes

 

 

   La montagne de Bugarach et quelques animaux décapités ont atteri dans une galerie de la rue Saint-André des Arts. En attendant le 21 décembre, l'installation monumentale de Huang Yong Ping propose une image de la Fin du Monde.

 

 

 

Animaux décapités et montagne. Bugarach, Huang Yong Ping, galerie Kamel Mennour

 

 

 

En voici une petite video.

 

 

 

 

Bugarach, Huang Yong Ping, une fin du monde par Palagret

 

 

 

 

 

Bugarach, Huang Yong Ping

Galerie Kamel Mennour - 47, rue Saint-André des Arts - 75006 Paris

Du 5 décembre 2012 au 26 janvier 2013

 

 

 

Palagret

fin du monde

décembre 2012