archéologie du futur / archéologie du quotidien

   Les new-yorkais verront-ils un jour l'improbable spectacle d'une locomotive grandeur nature pendue à une grue, sifflant de la vapeur au milieu des gratte-ciels?

simulation du Train de Jeff Koons près de la High Line  à New-York

"La puissance et la dynamique du Train représente l'énergie éphémère qui irrigue la Cité chaque jour.” 1

      Voilà cinq ans que le Lacma (Los Angeles County Museum of Art) a présenté le mirifique projet de locomotive suspendue de Jeff Koons. La réplique grandeur nature d'une locomotive à vapeur Baldwin 1943 devrait être suspendue à une grue haute de 49 mètres. Une réplique très réaliste, en acier et fibre de carbone, avec des roues qui tournent, de la vapeur et un puissant sifflet. Un projet estimé à 25 millions de dollars.

    La crise est passé par là et les donateurs nécessaires à la réalisation du projet se font plus rares.  Le directeur du Lacma Michael Gowan reconnait que les études de faisabilité ont montré que le train est sans danger, possible mais beaucoup plus compliqué qu'on pouvait l'imaginer. Carlson & Co, auteur de l'étude avant de faire faillite en 2010, comparait la locomotive à une attraction pour Disneyland à cause de sa complexité.

"Pour être honnête, nous avançons pas à pas ... Le conseil d'administration du musée ne s'est jamais engagé à construire le train. Il s'est engagé à étudier le projet." déclare Gowan.

Maquette du projet de Jeff Koons pour le LACMA: locomotive suspendue à une grue

        Pendant que le Lacma traîne, New-York est intéressé par le projet de Jeff Koons, à côté de la High Line. La High line, une voie ferroviaire aérienne désaffectée, a été transformée en jardin suspendu, comme la promenade plantée de Reuilly sur le viaduc des Arts à Paris, sur l'ancienne ligne de Vincennes.

    Pour Robert Hammond, fondateur des Amis de la High Line, le train serait un signal fort au-dessus de la ligne ferroviaire disparue qui surplombait Chelsea à Manhattan. Un train vertical dans une cité verticale, croisant l'horizontal des rails serait un rappel historique des convois de marchandises qui passaient là, un symbole du passé industriel de la ville. L'oeuvre de Jeff Koons pourrait être située entre la 30ème et la 34ème rue, près du West Side Highway.

Maquette de la High Line transformée en promenade à New-York

Maquette de la High Line transformée en promenade à New-York

 

 

 

 

   Originellement prévue pour le musée de François Pinault sur l'île Seguin puis à Los Angeles, la locomotive de Jeff Koons se posera-t-elle enfin à Los Angeles, à New-York ou dans les deux villes?

 

Maquette animée du Train de Jeff Koons: les roues tournent et la vapeur fait siffler la locomotive

Sources:

1- Jeff Koons

High Line on street-view

L.A Times

NY Times

   Des serpents, ou des vers géants, aux couleurs acidulées occupent le sol de la galerie Emmanuel Perrotin. Un vivarium ludique et poétique où les boudins de tissus piqués de perles et d'épingles ne contiennent que du sable.

sans  titre, 2011, détail, Lionel Estève

 On reconnait les queues effilées des reptiles, les ventres gonflés mais pas les gueules ni les langues fourchues. Des simulacres de reptiles inoffensifs ou des boudins de porte pour arrêter les courants d'air. Des sculptures tout simplement.

sans  titre, 2011, détail, Lionel Estève

   L'installation poétique de Lionel Estève est bien loin de la démesure de Joana Vasconcelos, autre artiste travaillant le textile.

sans  titre, 2011, détail, Lionel Estève

Dossier de presse

   Le mystère est selon Lionel Estève le statut le plus enviable d’une œuvre d’art : anonyme, sans date et à l’origine incertaine. Il avait d’ailleurs élaboré un graphisme au sol (« myope et amnésique », CAC Brétigny, 2005) en résonance avec les immenses et inexpliqués dessins Nasca. A l’occasion de sa troisième exposition à la Galerie Perrotin, Lionel Estève développe un environnement, empirique et sensuel, constitué de sculptures longues de 10 à 15 mètres. ...

Passage(bleu), fausse porte et détail de sans titre, Lionel Estève

  Quelques portes en trompe-l’oeil schématisées par de grosses poignées en verre et une ligne sur le mur inventent désormais une autre circulation à travers un espace mental imaginaire et inaccessible.

Une ligne / a line, 2011, 113 pierres, aquarelle, vernis acrylique,

Frontières, quatre tableaux, Lionel Estève

    Lionel Estève reproduit librement la vision panoramique d’une voûte céleste composée de perles multicolores — tels ses mobiles fragiles en mouvement qu’il a précédemment montrés à la Galerie et ailleurs (Art Unlimited/Art Basel, 2005 ; Fondation Hermès, La Verrière, Bruxelles, 2011). Au pied de ce ciel étoilé, un paysage de pierres en partie peintes à l’aquarelle évoque le lit d’une rivière, l’espace d’exposition se métamorphose en site du Land Art.

Une ligne / a line, 2011, détail, 113 pierres, aquarelle, vernis acrylique, Lionel Estève

Frontière, détail, Lionel Estève

    La troisième salle est recouverte de grands dessins aux motifs géométriques blanc sur blanc. Ces images fantomatiques fugitives convoquent l’art cinétique mais aussi le mouvement De Stijl (Theo van Doesburg, El Lissitzky) par leur économie de moyens et leur motifs à la fois dynamiques et aériens.

sans  titre, 2011, et passage (rouge) 2012, Lionel Estève

  Hors du réel, le lieu de l’exposition devient un espace intérieur hanté par des phobies à la fois attirantes et contradictoires. Les œuvres énigmatiques de Lionel Estève enveloppent le visiteur de leur secrets fantasmés, recréant un univers fictionnel proche de ceux de Lewis Carrol ou Magritte.

Lionel Estève

Du 14 janvier au 3 mars 2012

Galerie Emmanuel Perrotin

76 rue de Turenne, 75003 Paris

Liens sur ce blog:

Joana Vasconcelos, contamination textile à Versailles en juin 2012

L'art brut de Judith Scott: cocons multicolores et totems au Collège des Bernardins

Palagret

art contemporain

mars 2012

   Une belle chouette effraie, ailes déployées, est prise au piège d'une cage faite de fils tendus où sont accrochées des mouches et des graines. Elle se reflète sur une surface polie noire. Le temps est suspendu. Avec Here is the End of All Things (Ici est la fin de toutes choses) Claire Morgan expose la plus belle oeuvre de Bêtes off à la Conciergerie.

Here is the End of All Things - 2011 - Graines de pissenlit, mouches, une chouette empaillée

nylon, plomb, acrylique - 4 cubes chacun 240 x 150 x 150 cm 

Claire Morgan à la Conciergerie

    Here is the End of All Things, la sculpture installation de Claire Morgan est à la fois ample et minutieuse, solide et fragile, poétique et mathématique. La dame blanche arrêtée en plein vol, oiseau empaillé défiant la gravité, introduit le chaos dans les fils rigoureusement tendus à égale distance qui forment quatre cubes. Le souffle de l'air anime les centaines de mouches et de graines ébourrifées.

Here is the End of All Things, 2011

Claire Morgan à la Conciergerie

  Dans ce grand reliquaire, la chouette empaillée incarne la vulnérabilité de toutes choses, elle parle de vie et de mort. Légère comme un rêve et angoissante comme un cauchemar.

Détail des graines, Here is the End of All Things, 2011

Claire Morgan à la Conciergerie

«Beaucoup trouvent mon travail féminin, sans doute à cause des fils tendus autour des animaux captifs. L'équation classique : fil, couture, femme ? Je suis sculpteur, c'est peut-être plus masculin. Sans être agressive, je recherche une présence forte, une certaine puissance qui attire l'œil du public et le fasse penser. Je ne travaille pas dans le petit, le délicat, le mignon. En suspendant des objets dans l'espace, j'anticipe un changement, entre le statique et le mouvement.» déclare Claire Morgan. 1 

Détail des mouches, Here is the End of All Things, 2011

Claire Morgan à la Conciergerie

    "Mon oeuvre parle de notre relation avec le reste de la nature à travers les notions de changement, du temps qui passe et le côté éphémère de tout ce qui nous entoure. Pour moi, la création de structures apparemment solides ou de formes à partir des milliers d'éléments individuellement suspendus a une relation directe avec mon expérience de ces forces. Il y a un sentiment de fragilité et un manque de solidité qui chemine à travers toutes les sculptures. Elles se situent quelque part entre mouvement et immobilité, et donc en possession d'une certaine énergie." 2

Les quatre cubes de Here is the End of All Things, 2011

Claire Morgan à la Conciergerie

   "Les titres des oeuvres sont importants et font référence à la l'histoire ou à la culture populaire contemporaine. ... Bien que les phrases aient une histoire spécifique, le choc entre le titre et la forme peut apporter une ambiguité voulue en créant une confusion volontaire." 2

  Le titre "Here is the End of All Things" se réfère à  "Hic terminus Haeret" un vers de l'Enéide de Virgile. Didon, abandonnée par Enée supplie les dieux de le punir. 

Here is the End of All Things, 2011

Claire Morgan à la Conciergerie

    "Hic terminus Haeret" est aussi la devise de Claude Gouffier, grand écuyer de France de François I à Charles IX, marquis de Caravas. Dans son château d'Oiron, où Claire Morgan a exposé, la devise latine est présente partout, dans la pierre, la céramique, les entablements. La devise est ambigüe. Elle peut vouloir dire ce château est une merveille et ne pourra pas être surpassé, ou ici tout se termine car j'ai atteint mon but, ou ici tout ce termine car Oiron est ma retraite et j'y mourrai. Terminus est un dieu romain, protecteur des limites, des bornes, des champs des territoires humains.

   Les oeuvres de Claire Morgan forment tout un bestiaire: oiseau (the fall), écureuil, rat, taupe, papillon, héron posé sur un piédestal, renard (while you where sleeping, fantastic Mr Fox), lapin, mouette (gone withe the wind). Elle trouve dans la campagne des animaux morts et les empaille elle-même.

"Les processus nécessaires au travail sont laborieux, il y a des milliers d'éléments impliqués mais la clarté de la forme est de la plus haute importance. Je ne souhaite pas que les animaux fournissent un récit mais plutôt qu'ils introduisent un élément de mouvement, ou d'énergie, ou une sorte de réalité; qu'ils animent ou interagissent avec les plus grandes formes architecturales." 2

 Fluid de Claire Morgan

 « J'ai de l'aide pour mesurer les fils ou tenir les carrés de métal qui servent de lest. Je déteste l'idée de faire faire. Je taxidermise moi-même mes animaux, j'ai appris toute seule. Je m'en sers comme modèles pour dessiner, et comme matières premières que j'applique sur la feuille, des reliques. Je ne m'imagine pas commander la mort d'un animal pour faire une sculpture.» 2

 Garden de Claire Morgan

Bêtes Off

Conciergerie, 2 boulevard du Palais, Paris 2è

Du 16 novembre 2011 au 11 mars 2012 
Ouvert tous les jours de 9h30 à 18h

sauf le 25 décembre et le 1er janvier

Dernier accès 45 minutes avant la fermeture.

Liens sur ce blog:

Bêtes off à la Conciergerie, la violence faite aux licornes: Xue Sun, Renaud-Auguste Dormeuil, Maïder Fortuné

Bêtes off à la Conciergerie: dépouille fabuleuse, le tatou de Huang Yong Ping

Palagret

art contemporain

février 2012  

Source:

1- in Le Figaro

2- site de Claire Morgan

Photos des oeuvres de Claire Morgan

Hic terminus haeret

   Une immense toile d'araignée a envahit la galerie Templon. Tissée par l'artiste japonaise Chiharu Shiota, le réseau de fil de laine noire va du sol au plafond. Quelques lampes jaunes éclaire Infinity par intermittence. La pulsation de la lumière fait vivre la toile.

Infinity de Chiharu Shiota, installation in situ

ampoules électriques, laine noire, pièce unique, dimensions variables 

    L'installation est une oeuvre in situ, elle n'existe telle qu'elle qu'à la galerie Templon. Infinity peut être installée ailleurs mais elle sera différente. L'oeuvre coûte 40 000€ non compris les frais de production.

Infinity de Chiharu Shiota, installation in situ

Dossier de presse

   L’œuvre de Chiharu Shiota, mêlant performance, body art et installation, place le corps au centre de sa pratique sculpturale. L’artiste a été l’élève de Marina Abramovic à Hambourg dans les années 1990. Son langage artistique s’est nourri des influences des précurseurs Louise Bourgeois, Eva Hesse, ou Ana Mendieta, tant au niveau de l’expérimention physique et du travail sur l’inconscient qu’à travers le choix de matériaux délicats et traditionnellement liés à la féminité – tissus, fils.

Infinity de Chiharu Shiota, installation in situ

   Avec sa série d’installations en fils entremêlés, débutée en 1996, Chiharu Shiota transforme l’œuvre d’art en extension de son propre corps absent - à l’image de la toile d’araignée produite par l’insecte.

    L’artiste tisse de vastes environnements en fils de laine noirs qui emprisonnent des objets évocateurs - instruments de musique, robes de poupées, chaussures, lits. Ces objets, flottants, libérés de leur utilité première, nous renvoient à des visions poétiques et émouvantes. Ils convoquent des souvenirs, soulignent des absences.

« J’ai l’impression qu’il y a quelque chose de commun entre le silence du piano brûlé et le silence sur le trajet qui me ramène chez moi, et que cela est profondément enfoui dans mon cœur » révèle l’artiste.

Infinity de Chiharu Shiota, installation in situ

    Le réseau graphique qui connecte les éléments évoque la puissance des liens interpersonnels, l’inévitable dépendance du sujet à ses racines, autant de relations mises à mal par l’individualisme de la culture occidentale contemporaine.

Infinity de Chiharu Shiota, installation in situ

« Les fils sont tissés l’un dans l’autre. Ils s’enchevêtrent. Ils se déchirent. Ils se dénouent. Ils sont comme un miroir des sentiments » écrit Chiharu Shiota.

Infinity de Chiharu Shiota, installation in situ

   Née à Osaka au Japon en 1972, Chiharu Shiota vit et travaille à Berlin depuis 1997. Elle a suivi des études à l’Université des Arts de Berlin puis à l’Université des Beaux Arts d’Hambourg et a travaillé dans l’atelier de Rebecca Horn. Chiharu Shiota a performé et exposé, notamment, au Domaine de Kerguéhennec en 1997, au Kunstmuseum de Bonn en 2000, à l’Eglise Sainte Madeline à Lille en 2004, à la Neue Nationalgalerie à Berlin en 2006 et au National Museum of Art d’Osaka en 2008. Dans le cadre de la dernière Biennale de Venise, l’artiste a investi la Gervasuti Fondation avec « Memory of books ». Chiharu Shiota a également conçu le décor de l’opéra « Matsukaze » mise en scène par Sasha Waltz et montrée à Bruxelles au Théâtre royal de la Monnaie et à Berlin au Staatsoper en 2011.

Oeuvre de Chiharu Shiota

Chiharu Shiota : Infinity

Galerie Daniel Templon

Du 31 janvier au 18 février 2012

Du mardi au Samedi de 10h à 19h

30, rue Beaubourg 75003 Paris

Dans l'autre galerie Templon:

Néon et art contemporain: He An, enseignes brisées

Pascal Bernier, la séduction de l'araignée à Art Paris 2012 

Palagret

art contemporain

janvier 2012

   Dans l'obscurité de la nuit, He An vole des lettres en néon aux enseignes lumineuses de Wuhan, sa ville natale, comme il l'explique dans son interview:

           " Je suis né à Wuhan, j’ai grandi dans cette ville et à la fin, elle m’a rejetée. C’est avec des moyens un peu puérils que j’essaie de me ré-approprier l’amour de cette ville."

He An, néons à la galerie Daniel Templon

   "Tout ce que j’ai appris, je l’ai appris dans cette ville. Mais aujourd’hui, c’est comme si j’avais vécu un rêve et que je me réveillais. Tout a changé. On a du mal à distinguer ses rêves de la réalité." ...  "C’est probablement un sentiment commun à toute ma génération, car l’urbanisme chinois s’est tellement développé, la ville a tellement changé, que tout le monde a cette sensation de se faire rejeter dans le vide dans le néant "

He An, néons à la galerie Daniel Templon

    L'enseigne publicitaire est détournée de son utilité commerciale, elle ne propose plus des biens à acheter mais diffuse des message intimes.

« Chaque idéogramme volé est une parcelle de l’âme de ma ville que je me ré-approprie. Je transforme l’âme de ma ville et ma propre âme »

He An, néon Yoshioka Miho

      Etudiant, He An était fasciné par  Yoshioka Miho, une actrice porno japonaise, dont il regardait les cassettes clandestinement, le porno étant interdit en Chine à l'époque. En hommage à l'égérie érotique de son adolescence, il épelle son nom en idéogrammes, un écho aux chambres du Red Light District, le quartier de la prostitution. "C’est un peu comme voler le sous-vêtement d’une fille. ... Il ne s’agit pas de le dérober, mais de voler un fantasme à son sujet, un morceau d’elle. C’est une assimilation psychologique et imaginaire".

He Taoyuan, néon de He An en hommage à son père

     Eparpillés sur le sol de la galerie des idéogrammes en mauvais état forment le nom du père de He An, « He Taoyuan », un ouvrier  brisé par le système communiste selon lui. Après la mort de son père, He An est parti à la recherche de signes composant le nom de celui-ci.

He Taoyuan, néon de He An en hommage à son père

   "A Wuhan, certains de mes amis font maintenant partie de bandes criminelles. D’autres occupent des postes importants dans la police. L’un de mes amis en est. Pour créer mes œuvres, j’ai négocié avec lui : tous les jours il met à ma disposition quatre ou cinq malfrats qui se procurent une voiture et viennent m’accompagner à la recherche des idéogrammes. Il les repèrent et les font tomber des immeubles, puis s’enfuient avec. Pour moi, c’était le moment le plus romantique, le plus beau de toute ma vie. Pendant l’hiver, la nuit, personne dans les rues, je me sens vraiment le roi de la ville ».

Let's see whether brother can help her, He An

Interview de He An

   En 2000 à Shenzhen, He An installe dans la rue un néon rouge long de douze mètres disant en chinois: "Tu me manques, s'il te plait appelle moi" suivi de son numéro de portable. Des centaines de gens l'ont appelé, la plupart ignorant sans doute qu'il s'agissait d'une oeuvre d'art.

   En 2008 à Birmingham, sur le toit du parking Digbeth sur Moat Lane, He An proclamait en néon blanc: "I talked to Ah Chang on the way to work. After work I ended the relationship. I stood in Paradise Circus and cried for hours…" , "J’ai parlé avec Ah Chang en allant au travail. Après le travail, j’ai mis fin à notre relation. Je suis resté des heures à pleurer à Paradise Circus." Les lettres latines et les idéogrammes chinois formant un extrait de l'histoire intime de He An sont restés plus d'un an sur le toit du garage, laissant perplexes les passants.

Enseigne de néon blanc de He An à Birmingham, 2008

Photo de Bounder

    En collectant ou dérobant des enseignes de néon usées par le temps, He An lutte contre la perte de sens, faisant un travail subversif non dénué de sentiments, entre journal intime et détournement ironique.

La galerie Daniel Templon, impasse Beaubourg

He An

Du 05 novembre au 24 décembre 2011

du mardi au samedi de 10h à 19h

Galerie Daniel Templon, Impasse Beaubourg, 75003 Paris.