archéologie du futur / archéologie du quotidien

  Un bonhomme blanc et nu, assis sur une passerelle de bois, les pieds dans le vide, contemple les hordes de touristes qui s'adonnent à la folie du shopping. Le mannequin embrasse du regard les stands luxueux (Dior, Chanel, Guerlain etc ...) qui offrent aux nombreux touristes chinois des trophées du bon goût parisien à rapporter au pays. "Éloge de la contemplation" (Le Temps suspendu…), l'ironique installation de Philippe Ramette, est suspendu à 43 mètres de hauteur dans l'atrium des Galeries Lafayette, sous la coupole ornée de vitraux. 

"Éloge de la contemplation" (Le Temps suspendu…), Philippe Ramette, 2014

Sous la coupole des Galeries Lafayette

   Le grand ballon blanc ne s'envolera pas, il soutient la passerelle accrochée d'un côté à un balcon. Quelques planches manquent à la passerelle, isolant le personnage, rendant son retour à la terre ferme impossible ainsi que toute évasion vers de plus larges horizons. Comme "le voyageur contemplant une mer de nuages" du tableau de Caspar-David Friedrich, l'homme de Ramette est un personnage romantique, seul. Dans son voyage immobile, il médite sur le spectacle de la foule livrée à un consumérisme frénétique, une foule bavarde où toutes les langues se mêlent. Il se souvient peut-être de ces vers de Charles Baudelaire:

Pendant que des mortels la multitude vile, 
Sous le fouet du Plaisir, ce bourreau sans merci, 
Va cueillir des remords dans la fête servile, 
Ma Douleur, donne-moi la main ; viens par ici,

"Éloge de la contemplation" (Le Temps suspendu…), Philippe Ramette

Sous la coupole des Galeries Lafayette

          Des galeries circulaires qui entourent l'atrium des Galeries Lafayette, on aperçoit le ballon blanc ou le bonhomme assis, entre les vêtements, les sacs et les parfums de luxe. Il faut s'approcher de la balustrade pour voir l'ensemble de "Éloge de la contemplation" (Le Temps suspendu…). C'est aussi l'occasion d'admirer la coupole de l'architecte Ferdinand Chanut, les vitraux byzantins du maître verrier Jacques Gruber et les ferronneries dorées de Louis Majorelle (1912).

"Éloge de la contemplation" (Le Temps suspendu…), Philippe Ramette

Sous la coupole des Galeries Lafayette

    Dans les photographies dont il est le personnage principal, Philippe Ramette se représente dans des attitudes déséquilibrées, suspendu au-dessus du vide, près à tomber. La chute est un des thèmes du plasticien. Cette fois-ci le bonhomme qui le représente est assis et si personne ne coupe les cordes qui le relient au ballon, il ne tombera pas. Ou alors il sautera de désespoir.

"Éloge de la contemplation" (Le Temps suspendu…), Philippe Ramette

Sous la coupole des Galeries Lafayette

     C'est la première fois qu'une installation d'art contemporain est exposée sous la coupole des Galeries Lafayette. La Galerie des Galeries, située au premier étage du magasin, expose en ce moment On / Off, une exposition-scène de Xavier Veilhan.

"Éloge de la contemplation" (Le Temps suspendu…), Philippe Ramette

Sous la coupole des Galeries Lafayette

       video ici

Cartes postales des performances de Philippe Ramette

Liens sur ce blog:

David Lynch et son théâtre d'illusions, en vitrine aux Galeries Lafayette

Till we drop, vitrines de Jean-Paul Lespagnard aux Galeries Lafayette

Vitrines sur l'art: Thurkral et Tagra, le centre Pompidou aux Galeries Lafayette

"Éloge de la contemplation" (Le Temps suspendu…), Philippe Ramette

Sous la coupole des Galeries Lafayette

Philippe Ramette

"Éloge de la contemplation" (Le Temps suspendu…)

Sous la coupole des Galeries Lafayette Haussmann, à Paris

du 14 juillet au 30 août 2014

Croquis de "Éloge de la contemplation" (Le Temps suspendu…), Philippe Ramette

Palagret

art contemporain et consumérisme

juillet 2014

   Avant l'inauguration des sculptures de Dewar et Gicquel, leurs oeuvres étaient déjà exposées dans le jardin du musée Rodin mais sans cartel les identifiant, à la grande perplexité des touristes pas forcément fins connaisseurs de Rodin. Si les sièges de toilette ou le pull-over ne prêtaient pas à confusion, les fragments de corps étaient autant photographiés que les sculptures de Rodin.

La mode, Dewar et Gicquel, Musée Rodin

Fragment de corps masculin avec chaussures

   En béton gris, lourdes et peu modelées, les oeuvres de Dewar et Gicquel étaient pourtant bien différentes de celles de Rodin. A partir de modelage, les plasticiens ont fabriqué un moule qui n'a servi qu'une fois pour couler le béton. Les corps lisses se dégagent d'une gangue de matière brute, le non finito.

La mode, Dewar et Gicquel, au fond le penseur de Rodin, Musée Rodin

   Le titre de l'exposition, « la Jeune Sculpture », fait référence au Salon du même nom organisé au musée Rodin de 1949 à la fin des années 1960.

"Ce titre fait référence à l’histoire du musée, mais il décrit également l’idée d’une figure anachronique qui traverse l’exposition. Comment une sculpture peut-elle être jeune, la sculpture change-t-elle vraiment ? Où est-ce son contexte d’apparition qui change ?D’où le titre de votre exposition, « la Jeune Sculpture », qui fait référence au Salon du même nom organisé au musée Rodin de 1949 à la fin des années 1960 ? → Ce titre fait référence à l’histoire du musée, mais il décrit également l’idée d’une figure anachronique qui traverse l’exposition. Comment une sculpture peut-elle être jeune, la sculpture change-t-elle vraiment ? Où est-ce son contexte d’apparition qui change ?"

Le pied, Dewar et Gicquel, au fond la porte de l'enfer, Musée Rodin

Dossier de presse:

   Poursuivant son dialogue avec l’art contemporain, le musée Rodin ouvre les jardins de l’hôtel Biron au duo d’artistes, Daniel Dewar et Grégory Gicquel, lauréats en 2012 du Prix Marcel Duchamp, attribué pour la première fois à un modèle de production à deux. Collaborant depuis leur rencontre en 1997 à l’Ecole des Beaux-Arts de Rennes, les deux artistes explorent une voie très expérimentale entre érudition et amateurisme, relecture de l’histoire de l’art et pratiques artisanales. L’hybridation des techniques, des motifs et des matériaux leur permettent d’interroger les canons de la sculpture.

Dewar et Gicquel, Cour du Musée Rodin

   Un nouveau corpus d’œuvres a été conçu et produit spécialement pour l’exposition. Il s’agit de neuf sculptures en béton de grandes dimensions. Modelées, coulées et assemblées par les artistes eux-mêmes selon les techniques traditionnelles de la sculpture, ces sculptures représentent des fragments de corps nus, certains en ronde bosse et d’autres plus architecturaux. Corps d’athlètes dont la monumentalité n’exclut ni le port de quelques vêtements familiers – gilet en laine torsadée ou chaussures de marque – ni la présence plus incongrue d’éléments de salle de bain.

Architecture, Dewar et Gicquel, Musée Rodin

   « L’œuvre de Rodin a été un point de départ pour nous permettre de travailler sur une technique particulière de sculpture que nous n’avions jamais eu l’occasion d’explorer auparavant, tout en ayant à l’esprit que la pratique de Rodin s’est aussi affirmée au moment de l’apparition de la photographie et de la reproductibilité. » disent-ils dans un entretien réalisé à l’occasion de l’exposition.

Allégorie, Dewar et Gicquel, Musée Rodin

   Mu par le désir constitutif du sculpteur de se colleter la matière, le duo partage par exemple avec Rodin le goût affirmé des matériaux. Mais, là où Rodin déléguait l’exécution de ses œuvres en vue de leur reproduction, Daniel Dewar et Grégory Gicquel assurent eux-mêmes en tant que praticiens chaque étape de la fabrication, et détruisent les moules après usage afin de limiter leur production à un seul et donc unique tirage.

La figure, Dewar et Gicquel, Musée Rodin

 Un « anachronisme subversif », qui permet de « réactualiser les débats esthétiques sur la question des rapports entre art et artisanat autour de la sculpture, question qui revient à grands pas sur le devant de la scène... Preuve que l’art a de nouveau à faire avec le réel ».

Les fantômes, Dewar et Gicquel, Musée Rodin

  L’expression hautement paradoxale de Dewar & Gicquel n’aurait pu trouver meilleure scène et décor plus propice que ce haut lieu patrimonial, pour creuser la question de la place singulière qu’occupe la sculpture entre réalité et représentation.

L'idée, Dewar et Gicquel, Musée Rodin

La jeune sculpture, Daniel Dewar et Grégory Gicquel

Jardin du musée Rodin

Du 27 mai au 26 octobre 2014 

Tous les jours sauf le lundi, de 10h à 17h45.

Palagret

sculpture et patrimoine

mai 2014

Sources:

Dossier de presse

Itw de Dewar et Gicquel

   "C'est n'importe quoi" est le titre de la dernière exposition de François Morellet. Pier & Ocean est une installation de néons bleus clignotant dans laquelle on pénètre en marchant sur une passerelle de bois de Tadashi Kawamata. Un référence à une oeuvre de Piet Mondrian.

Pier & Ocean de François Morellet et Tadashi Kawamata

Galerie Kamel Mennour

François Morellet et Tadashi Kawamata, Pier... par Palagret

Photos et texte ici

Lien sur ce blog:

Morellet Kawamata, c'est n'importe quoi? mer de néons à la galerie Kamel Mennour

Palagret

art contemporain et néon

avril 2014

   Rigoureusement alignée, une armée de 104 sculptures de petites filles en rang par quatre se tient au centre de la halle Aubervilliers du 104. Leur expression sévère et leur attitude figée renvoient aux 8000 soldats de terre cuite découverts enterrés dans la nécropole de l'empereur Qin, en 1974 près de Xi'an en Chine.

"Terracotta daughters", Prune Nourry au Cent-quatre

     Comme les soldats, certaines petites filles portent des vestes cuirassées. Avec cette armée contemporaine de Holy Daughters, Prune Nourry parle du déséquilibre démographique en Chine. Les parents chinois préferrent les garçons qui les accompagneront dans leur vieillesse plutôt que les filles qui partiront pour se marier. La politique de l'enfant unique a eu pour conséquence la disparition de nombreux nouveaux-nés féminins. A cause des infanticides, le démographe Christophe Guilmoto estime que plis de 163 millions de filles manquent en Asie.

   "Je me suis demandé comment montrer de manière artistique ce problème de la disparition des filles. Je suis allée sur place rencontrer des démographes, des ONG, des groupes de femmes. Il fallait que mon projet parle de manière universelle." 1

"Terracotta daughters", Prune Nourry, halle Aubervilliers du Cent-quatre

   Prune Nourry a fabriqué ses 108 statues d'argile en Chine avec l'aide d'artisans dont Xian Feng avec lequel elle communique grâce à un interprète, des croquis et des gestes. Grandeur nature, les statues ont huit visages différents mais sont toutes différentes grâce aux détails vestimentaires ou à leur attitude (mains croisées sur le ventre ou dans le dos, bras ballants etc). Huit petites filles orphelines, choisies par l'association Les enfants de Madaifu, ont été photographiées Prune Nourry. Un an plus tard, elles ont eu la joie de voir leur modèle une fois terminé. L'argent récolté par la vente de certaines statues financera l'éducation des fillettes pendant trois ans.

"Terracotta daughters", Prune Nourry au Cent-quatre

   Dans l'atelier cinq du 104 est projeté un film réalisé par Prune Nourry qui décrit son travail du modelage au moulage.

"Terracotta daughters", Prune Nourry au Cent-quatre

   Les visiteurs peuvent circuler au milieu des enfants immobiles et les voir en plongée à partir d'une plateforme. L'armée féminine chinoise de Prune Nourry, symbole de toutes ces petites filles non-nées, sera exposée à travers le monde pendant un an avant d'être enterrée dans un lieu secret, comme les guerriers de l'empereur Qi.

 "Je veux créer un mythe autour de ces sculptures, que les gens se demandent si c'est vrai ou si c'est une légende." déclare Prune Nourry 1

   Les filles d'argile seront ensuite exhumées en 2030, date à laquelle les conséquences des avortements sélectifs deviendront dramatiques en Chine ou en Inde.

"Terracotta daughters", Prune Nourry au Cent-quatre

   Née en 1985, Prune Nourry est diplômée de l'école Boulle où elle étudie la sculpture sur bois. Elle vit et travaille à New-York, en résidence au centre d’art The Invisible Dog de Brooklyn. La plasticienne s'intéresse aux dérives de la bioéthique et à la selection des sexes.

"Terracotta daughters", Prune Nourry au Cent-quatre

Avec motifs apparents, exposition collective

Prune Nourry, Terracotta daughters

du 22 mars au 10 août 2014

Cent-Quatre, Paris

Du 22 Mars au 10 Mai, 2014

Galerie Magda Danysz - 78, rue Amelot Paris 11

Une interview de Prune Nourry

Palagret

art contemporain

avril 2014

Source:

1- in Lefigaro

    Voilà un beau poisson d'avril ou plutôt un ours d'avril. Le mardi 1er avril l'artiste et performeur Abraham Poincheval s'est enfermé dans un ours! Comme Franny, le personnage de "Hotel New-Hampshire de John Irving qui vit dans un costume d'ours? Non, Abraham Poincheval git allongé dans une sculpture d'ours recouverte d'une vraie peau et il y restera treize jours. Aussi vide et fascinant que le Loft de TF1, la performance du musée de la Chasse et de la Nature est retransmise 24h/24 et en direct sur poincheval.chassenature.org.

Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Musée de la chasse et de la nature, Paris

   Une caméra filme Poincheval à l'intérieur de l'ours, une autre à l'extérieur filme les réactions des visiteurs du Musée. Un oeilleton situé au niveau de l'anus de l'animal devait permettre de voir le performeur mais il a été obstrué suite à des aménagements techniques de dernière minute. Abraham Poincheval peut débrancher la caméra intérieure s'il souhaite un peu d'intimité mais pourquoi s'inflige-t-il une telle prison? 

Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Musée de la chasse et de la nature, Paris

   Pourquoi? C'est une des questions que lui posent les visiteurs. La réponse arrive presque inaudible à travers la fourrure de l'animal: pour expérimenter les sensations de l'ours en hibernation. Les enfants d'abord intimidés caressent et saluent l'animal puis entament un dialogue de sourd. Quelques livres posés sur une table basse incitent les volontaires à faire la lecture au prisonnier. Au choix: Walden ou la vie dans les bois, de Thoreau, 20 000 Lieux sous les mers, de Jules Verne, ou encore les Contes de Perrault et Boucle d'or et les Trois Ours.

Dialogue avec l'ours

Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

      Ce n'est pas la première fois qu'Abraham Poincheval endure l'enfermement. En 2012 à Marseille, il s'enfermait dans une librairie. En 2013 à Tours, il s'enterrait sous le parvis de l’hôtel de ville. Aujourd'hui, pour 13 jours, Abraham Poincheval  repousse ses limites physiques.  "Avant de s'enfermer dans un ours, on est toujours un peu tendu." a déclaré sans rire le performeur. 1

Dans la peau de l'ours, vue intérieure

Musée de la chasse et de la nature, Paris

« En restant statique, l'univers se déploie d'une étrange façon. C'est difficile au début, les deux ou trois premiers jours. Il faut se concentrer, ne pas partir à la dérive », explique-t-il.  Embarqué à bord de l'animal comme « pour un voyage en haute-mer, il y aura des jours de tempête intérieure et des jours calmes. Treize jours, c'est d'ailleurs le temps d'une traversée entre l'Europe et l'Amérique... Il faut tenir le cap ».1

Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Dialogue, Musée de la chasse et de la nature, Paris

  Pour ce voyage immobile dans la peau d'un ours, Abraham Poincheval a aménagé sa prison avec les commodités modernes: eau, électricité, ventilation mécanique contrôlée (VMC), évacuation des déchets. Le tout dissimulés dans un plancher technique. Il y a aussi des livres mais ni télévision, ordinateur ou portable. Abraham Poincheval a d'abord testé l'installation pendant un mois. Il se tient sur le dos, la tête à hauteur du cou de l'animal et peut faire un peu d'exercice chaque jour en tirant sur une corde.

 Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Dialogue, Musée de la chasse et de la nature

    L'ours-sculpture est posé au milieu des armes, des trophées et des animaux empaillés du Musée de la chasse. Levée d'écrou le 13 avril. L'ours vide restera exposé une semaine de plus.

 Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Dessins préparatoires

Voir la video de l'ours habité

Dossier de presse:

"L’originalité de la performance qu’accomplit en ce moment même Abraham Poincheval tient à ce que cette nouvelle expérience est menée à l’intérieur d’une œuvre d’art qu’il a créée: une sculpture habitable, en forme d’ours. Ce faisant, l’artiste interroge le statut de l’œuvre d’art, repousse ses propres limites physiques et expérimente le « devenir- animal » tel que l’a défini Gilles Deleuze.

Quel est le statut de cette œuvre d’art ?

Il s’agit d’une œuvre unique, réalisée en trois mois par l’artiste, avec l’aide de deux personnes du musée Gassendi. Sculpture habitable, celle-ci a été fabriquée sur mesure, en fonction de la morphologie de l’artiste (1,72 m pour 55 kg). Pour plus de vraisemblance, la sculpture a les dimensions (1,60 m x 1,20 m x 2,60 m) et l’aspect d’un ours noir. L’habitacle a été entièrement revêtu de peau, provenant d’un ours noir du Canada prélevé en 2012 (permis CITES n°13CA03919/ CWHQ-1). L’œuvre est la propriété d’Abraham Poincheval, son auteur. à l’issue de la performance, elle sera présentée au musée de la Chasse et de la Nature jusqu’au 20 avril 2014, puis au musée Gassendi."

 Proposition de lecture pour distraire le prisonnier

Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

   "Pratiquée sous contrôle médical et sous la surveillance de deux caméras qui relaient la performance sur le site internet du musée, cette expérience d’enfermement n’est pourtant pas proprement inédite puisque des précédents existent dans la littérature (la baleine du Livre de Jonas ou celle de Pinocchio, l’éléphant de la place de la Bastille dans lequel Victor Hugo fait vivre le Gavroche des Misérables) et dans l’histoire (le cheval de Troie, les dépouilles des chevaux de la Grande Armée napoléonienne dans lesquels les soldats se sont enveloppés pour survivre face au froid lors de la retraite de Russie...).

Expérimenter le « devenir-animal »

Dans son étroite retraite, le performeur met entre parenthèses le monde qui l’entoure et qui pourtant lui envoie des signaux (des lectures, de la musique et des chants lui sont adressés comme autant de propositions de lui tenir compagnie). La lecture embarquée lui permettra de redécouvrir les plaisirs de la littérature.

Enfermé et allongé dans une structure habillée de peaux d’ours, Abraham Poincheval mène une expérience érémitique pour «devenir- animal ». Il est retiré du monde avec lequel il ne communique plus pendant toute la durée de sa performance. Ce travail sur soi et cette ascèse lui font vivre une forme d’hivernation durant laquelle il éprouve physiquement ce que peut ressentir l’animal endormi et vivant « au ralenti ».

En se nourrissant des préparations culinaires élaborées par Olivier Dohin à partir des aliments favoris de l’espèce (insectes, miel, graines, végétaux...) Abraham Poincheval espère vivre les mêmes sensations que celles de « l’ours » avec lequel il fait corps pendant treize jours."

Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Musée de la chasse et de la nature, Paris

  "Comme l’ours, Abraham Poincheval est placé en état d’hivernation. Comme lui, il se nourrit de végétaux herbacés, de baies, d’insectes, de miel et de fruits. Placé artificiellement dans cet état de somnolence propice à la distanciation et à la prise de recul, Abraham Poincheval peut méditer. Expérience du « devenir animal », la performance est aussi une manière de se réapproprier l’espace et le temps. Le public est invité à entrer en communication avec l’artiste, à lui tenir compagnie en lui faisant la lecture. Une performance participative."

 Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Musée de la chasse et de la nature, Paris

Dans la peau de l'ours, performance d'Abraham Poincheval

Du 1er au 1" avril 2014

Musée de la chasse et de la nature, Paris

Palagret

art contemporain et musée

avril 2014

Source:

1- Lemonde

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