22 janvier 2014 3 22 /01 /janvier /2014 00:21

 

 

   Tel un cabinet de curiosités, les living rooms de Robert Wilson installées au Louvre mêlent des objets précieux et des objets triviaux sans valeur artistique ou marchande. Magnifique masque eskimo ou gant rose trouvé dans la rue, statues médiévales ou objets de plastique, monnaie de plumes, plus de 600 objets couvrent les murs et le plafond des Living rooms.

 

"Je voulais présenter quelque chose de personnel : j'ai montré ma chambre"

 

 

 

Louvre Robert Wilson living roomslit blanc et santiags, chaise Shaker à l'envers

Living rooms, Robert Wilson au Louvre

 

 

 

 

    "C'est intéressant de voir où vit un artiste, ce qui l'entoure, je crois. Je vis entouré de choses très hétéroclites, des objets trouvés dans la rue, parfois juste un chewing-gum ou un gant, des objets dénichés dans une galerie d'art ou rapportés d'un voyage. Depuis 23 ans, je vais en Indonésie et j'ai un grand amour pour cette culture. Le résultat de cet amalgame très personnel se voit au théâtre, dans les images qui se forment sur scène. Par exemple, une certaine statue de pierre indonésienne a des yeux à l'arrière de la tête pour marquer son pouvoir. Cela me donne conscience de l'espace qui est derrière vous et crée une plus grande tension avec le public." 1


 

 

 

Louvre Robert Wilson living rooms crocodileTableau naïf et masque de crocodile

Living rooms, Robert Wilson au Louvre

 

 

 

 

  Ces trésors collectés un à un par Robert Wilson depuis son enfance l'entourent dans ses quartiers du Watermill à Long Island. Ces objets l'ont inspiré ou l'inspirent dans ses créations. Ainsi la photo d'Einstein est à l'origine de son opéra Einstein on the beach.


 

 

Robert Wilson living rooms statue boisstatue de bois et statue de bouddha debout (18è siècle), Laos

Living rooms, Robert Wilson au Louvre

 

 

 

 

   "Tous ces objets ont influencé mon travail. Ils sont pour moi comme une bibliothèque vivante et j'aime vivre au milieu d'eux."


 

 

Louvre Robert Wilson living rooms sphinxcoupe au Sphinx et coupe art déco

Living rooms, Robert Wilson au Louvre

 

 

 

 

   Robert Wilson collectionne de nombreuses chaises de designer, une belle chaise shaker accrochée à l'envers et une chaise qu'il a dessiné lui même. On trouve aussi des chaussures, escarpins de Marlène Dietrich, chausson de danse de Rudolf Noureev ou chaussures d'inconnu.

 

 

 

Robert Wilson living rooms Paul Thek 6Bras coupé, "Reliques technologiques" de Paul Thek

Living rooms, Robert Wilson au Louvre

 

 

 

 

   Les "Reliques technologiques" (1966-1967) de Paul Thek (1933-1988), plasticien alternatif new-yorkais côtoient des tableaux naïfs anonymes. Bras ou main coupés, fragments anatomiques couplés à des matériaux technologiques, les sculptures de Paul Thek ressemblent à des membres arrachés à un robot ou à une idole de science-fiction.

 

 

 

Louvre Robert Wilson living rooms masquemasque esquimau de l'île Nunivak, Alaska. masque non identifié, éventail avec photo de famille

Living rooms, Robert Wilson au Louvre

 

 

 

 

    Près du lit de Robert Wilson, une paire de santiags; au-dessus des oreillers, de minuscules statuettes eskimos; en face un video-portrait de Lady Gaga, ficelée la tête en bas.


 

 

Louvre Robert Wilson living rooms Paul ThekMain coupée à la bague, "Reliques technologiques" de Paul Thek. Masque océanien

Living rooms, Robert Wilson au Louvre

 

 

 

 

   La collection surréaliste de Robert Wilson est digne du mur d'André Breton. Le plasticien américain accumule toujours jour après jour des sculptures archaïques chinoises, des masques indonésiens, des tambours, un éventail de carton et ... un lapin blanc. Allusion à Alice au pays des Merveilles?


 

 

Robert Wilson living rooms lapin LouvrePoteries d'art premier et lapin blanc empaillé

Living rooms, Robert Wilson au Louvre

 

 

 

 

"J'assemble aussi par contrepoints. Placer une poubelle à côté d'un objet noble, collectionné chèrement, par exemple. Ou un pot vieux de 4000 ans à côté d'une masse en plastique achetée sur un marché cambodgien. C'est plus difficile qu'il n'y paraît de trouver le bon objet et son contraire."

 

 

 

Robert Wilson living rooms chaises"Reliques technologiques" de Paul Thek,

chaise avec ombre crée par Robert Wlson pour Perceval, 1987

Living rooms, Robert Wilson au Louvre

 

 

 

 

   A peine douze objets sont identifiés. Au visiteur de déambuler dans la pièce et de laisser son regard dériver sur les photos, tableaux et statues réunis là par Bob Wilson pour notre plus grand plaisir. 

 

 

 

voir video ici.

 

 

 

 

" Living Rooms : le Louvre invite Robert Wilson "

Du 11 novembre 2013 au 17 février 2014

De 9 heures à 18 heures, sauf le mardi.

Musée du Louvre, Paris Ier.

 

 

 

Lien sur ce blog:

Lady Gaga assassinée dans son bain, une vidéo de Robert Wilson au Louvre

 

 

 

 

Palagret

cabinet de curiosités

 janvier 2014

 

1- in Lefigaro

 


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19 janvier 2014 7 19 /01 /janvier /2014 02:14

 

  Au Louvre, non loin de la Joconde, Lady Gaga icône de la pop-culture gît dans son bain, le cou ensanglanté telle Marat assassiné peint par David. Ce n'est pas un tableau post-moderne mais une vidéo réalisée par Robert Wilson avec la chanteuse comme modèle. 

 

 

 

Louvre Robert Wilson Marat Gaga 70548Lady Gaga assassinée, vidéo de Robert Wilson

 


 

   Comme Marat le révolutionnaire, Lady Gaga a les yeux clos et la tête renversée en arrière. Elle est ainsi offerte au regard des touristes perplexes tant l'écran plasma vertical est insolite au milieu des riches cadres dorés ornant des peintures d'histoire du XIXè siècle. La mort de Marat est une scène historique elle-aussi mais la froideur bleutée et le doux scintillement de la technologie moderne semblent anachroniques dans cette salle dédiée à la peinture académique.



 

Robert Wilson Marat Gaga salon Denon 0Lady Gaga assassinée, vidéo de Robert Wilson

au milieu des tableaux historiques du XIXè siècle, salon Denon au Louvre


 

     De plus le video-portrait de Robert Wilson est sonore même si on entend à peine la voix de Lady Gaga lisant en anglais des passages du Marat/Sade de Peter Weiss.


 

 

Louvre Robert Wilson Marat Gaga détailLady Gaga assassinée, détail, vidéo de Robert Wilson

 

 

 

 

   " Lady Gaga me fascine, confie Bob Wilson, qui avait mis en scène sa performance aux MTV Awards, fin août. Elle n’est pas juste une chanteuse pop, c’est une véritable artiste. " 1

 

 

 

Marat DavidLa mort de Marat, Jacques Louis David, 1783

 

 

 

    Cette vidéo de Robert Wilson fait partie des "Gaga portraits" tournés à Londres et exposés au Louvre. Il y a trois videos verticales:

- une video de Lady Gaga en Marat, la seule sonore

- une Lady Gaga ficelée pendue la tête en bas exposée dans la reconstitution de la chambre de Robert Wilson, dans la chapelle.

- Lady Gaga en " Mademoiselle Caroline Rivière " d’Ingres (1806) dans la salle de la maquette, près des remparts du Louvre.

 

   Continuant sa réinterprétation des tableaux célèbres de la peinture occidentale, Robert Wilson propose sur 14 petits écrans la tête de Saint-Jean Baptiste sur un plateau, un tableau d'André Solaris (1507). D'écran en écran, le visage de Lady Gaga ou son bras se superposent lentement sur cette image macabre.


 

 

Lady Gaga tweet Tweet de Lady Gaga annonçant son travail avec Robert Wilson


 

 

 

« Nous réfléchissons à une performance spéciale pour son 28e anniversaire » promet Bob Wilson. Rendez-vous le 28 mars.


 

Lady Gaga Artpop cover KoonsArtpop, couverture de l'album de Lady Gaga, sculpture de Jeff Koons

 

 

  Lady Gaga chanteuse planétaire très populaire travaille aujourd'hui avec des plasticiens contemporains. Elle a participé à des performances avec Marina AbramovicJeff Koons a crée une sculpture d'elle pour la couverture de son dernier album Artpop.

 

 

Lady Gaga TV 2Lady Gaga dans une interview à la BBC, capture d'écran

 

 

   Le salon Denon du Louvre est une salle carrée aux murs tendus de rouge. Non loin de la Joconde, elle est un passage très fréquenté. En 2009, le peintre chinois Yan Pei-Ming y a exposé "Les funérailles de Monna Lisa". 

 

 

 

" Living Rooms : le Louvre invite Robert Wilson "

Du 11 novembre 2013 au 17 février 2014

De 9 heures à 18 heures, sauf le mardi.

Musée du Louvre, Paris Ier.

 

 

 

 

 

Liens sur ce blog:

"Living rooms", le cabinet de Curiosités de Robert Wilson au Louvre

Yan Pei-Ming: les larmes de Monna Lisa au Louvre

 

   

Palagret

 art contemporain et video

janvier 2014

 

Sources:

1- in Leparisien

 


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1 janvier 2014 3 01 /01 /janvier /2014 06:59

 

   Un embouteillage de fauteuils roulants, probablement une maison de retraite visitant l'exposition "A Triple Tour" à la Conciergerie! Mais non, à y bien regarder, ces vieillards sont immobiles dans leur fauteuil. Il s'agit de mannequins hyper-réalistes, une installation des chinois Sun Yuan & Peng Yu.

 

 

 

Triple tour Sun Yuan & Peng Yu 70Un pope, un palestinien et un soldat portant une mine.

Trois mannequins grandeur nature en fauteuil roulant.

Old persons home, installation de Sun Yuan & Peng Yu

 

 

 

   Les fauteuils électriques se déplacent lentement et se cognent les uns les autres ou contre les murs: Ils changent alors de direction. Parfois un fauteuil s'échappe et un assistant le rattrape et le remet dans la ronde. Les mannequins représentent des hommes de pouvoir décrépis, dictateurs, généraux, chefs religieux, rabbins ou mollahs, terroristes, en uniforme ou en costume. Tassés dans leur fauteuil, somnolant ou les yeux fixes, ils ne sont plus que des prisonniers enfermés à triple tour dans leur corps impuissant. Des hommes jadis puissants et dangereux réduits à des vieillards inoffensifs ballotés dans un ballet absurde.

 

 

 


Sun Yuan & Peng Yu, Old persons home, A triple... par Palagret


 

 

  Représentant des personnages de culture et d'horizon différents, les mannequins ne se regardent pas et ne se parlent pas, ils s'ignorent, enfermés dans une décrépitude dont certains n'ont même pas conscience. Images de notre déchéance annoncée et de l'incommunicabilité des hommes. Notez qu'il n'y a pas de femme dans cette lente parade d'agonie.


 

 

Triple tour Sun Yuan & Peng Yu 67Deux mannequins grandeur nature en fauteuil roulant.

Old persons home, installation de Sun Yuan & Peng Yu à la Conciergerie, Paris

 

 

 

 

   Dérangeante et cependant drôle, tragi-comique, l'installation de Sun Yuan & Peng Yu fascine les visiteurs qui restent longtemps à observer ce sinistre théâtre. Ce jour là, seuls quelques fauteuils étaient en mouvement alors qu'ils devraient tous avancer, se cogner et reculer dans une danse macabre. Les surveillants expliquaient qu'avec les groupes d'enfants se faufilant entre les fauteuils, il valait mieux immobiliser les mannequins. Les enfants les toucheraient, c'est possible, et leur casseraient les doigts, c'est moins crédible. 

 

 

 

Triple tour Sun Yuan & Peng Yu Conciergerie 0Un  mannequin grandeur nature en fauteuil roulant.

Old persons home, installation de Sun Yuan & Peng Yu

 

 

 

   Il est certain qu'il est plus facile de surveiller 13 pantins en fauteuil immobile mais la force de "Old persons Home", l'installation de Sun Yuan & Peng Yu, en était amoindrie.


 

 

Triple tour Sun Yuan & Peng Yu Conciergerie 8Mannequin de vieillard grandeur nature en fauteuil roulant.

Old persons home, installation de Sun Yuan & Peng Yu

 


 

  Sun Yuan (né en 1972) and Peng Yu (née en 1974) sont mariés et travaillent ensemble à Beijing depuis vingt ans. Ils sont connus pour leur participation à l'art extrême chinois dans l'exposition Post­-sensibilité (1990) et "Addiction à la plaie" (2000) à Beijing: transgressant les tabous, ils utilisaient des matériaux extrêmes tels que:

- les animaux vivants: "Mur marin" 1998 (poissons et langoustes emmurés vivants), Rideau 1999 (langoustines, serpents et grenouilles agonisant sur des barbelés). 

- la graisse humaine: Exil et Huile d'humain en 2000

les cadavres de bébés: corps connecté en 2000


 

 

Triple tour Sun Yuan & Peng Yu 78Mannequins de vieillards grandeur nature en fauteuil roulant.

Old persons home, installation de Sun Yuan & Peng Yu

 


   Le théâtre de la cruauté de Sun Yuan & Peng Yu est aujourd'hui moins radical dans ses matériaux et donc moins controversé. A la Conciergerie, il n'y a ni cadavres ni animaux agonisants, seulement des mannequins en résine vêtus des accoutrements de leur gloire passée. Les plasticiens chinois ont déjà exposé une autre installation sur le même thème: "Absence" ne comportait que des fauteuils roulants vides disposés en cercle, un symbole encore plus clair de la mort.




Old People's Home, installation de Sun Yuan & Peng Yu
A triple tour, collection Pinault
Du 22 octobre 213 au 6 janvier 2014
Conciergerie
2, boulevard du Palais, 75001 Paris



Triple tour Sun Yuan & Peng Yu Conciergerie 9Amiral hors d'eau, mannequin de vieillard grandeur nature en fauteuil roulant.

Old persons home, installation de Sun Yuan & Peng Yu


Palagret
installation et art contemporain
décembre 2013






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29 décembre 2013 7 29 /12 /décembre /2013 17:35

 

   Nous voici dans une vaste salle obscure du Palais de Tokyo dont on ne distingue les contours que par intermittence quand les marquees (marquises) de Philippe Parreno s'éclairent, clignotent et vibrent. La musique du Petrouchka de Stravinski, jouée par un piano automate, tourne en boucle et se mêle au crépitement des néons.


 

 

Parreno expo Palais de Tokyo marquee 2Marquee de Philippe Parreno, Danny La Rue 2013

Anywhere, Anywhere Out of the World, Palais de Tokyo

 

 

 

      Un ordinateur pilote l'allumage et l'extinction de seize sculptures lumineuses qui mêlées à la musique compose une symphonie visuelle heurtée. Le spectateur ébloui et aveuglé perd ses repères et cherche les murs à tâtons, essayant de ne pas trébucher sur un corps allongé sur le sol ou se cogner sur un pilier. 


 

 


PHILIPPE PARRENO, Danny La Rue, seize Marquees... par Palagret

 

 

 

    Philippe Parreno a réuni ici seize marquees, une série commencée en 2006 et dont certaines sculptures ont déjà été exposée au Guggenheim de New-York ou à Beaubourg. Faits de tubes de néon et d'ampoules dans des boîtes de verre acrylique translucide ou opalescent, accrochés par des chaînes au plafond, ces caissons lumineux s'inspirent des marquees américains, auvents lumineux suspendus au-dessus des théâtres et des cinémas américains.

 


 

marquee-Hollywood.jpgMarquise lumineuse à Hollywood annonçant les spectacles

 

 

 

   Ces marquises lumineuses servent de tableau d'affichage pour les spectacles. Autour du nom de la pièce ou du film et des noms des acteurs, des ampoules ou des néons clignotent et défilent pour attirer l'attention des passants. Quand les théâtres et les cinémas sont côte à côte, la rue nocturne est toute illuminée et vibre des plaisirs annoncés.


 

 

 

Parreno expo Palais de Tokyo marquee 70092Marquees de Philippe Parreno, Danny La Rue 2013

 

 

 

    Les marquises urbaines se reflètent sur le bitume dès qu'il pleut, créant une atmosphère rêveuse largement exploitée par les thrillers ou les films romantiques. Les murs de la salle d'exposition du Palais de Tokyo sont eux noirs et le sol gris mat et il y a très peu de reflet. Sobrement, les marquees de Philippe Parreno de tailles, de formes et de matériaux divers sont peu colorés. Au contraire des auvents américains clinquants, les sculptures lumineuses n'annoncent rien d'autre qu'elles-mêmes.  

 


 

Parreno expo Palais de Tokyo marquee 3Marquee de Philippe Parreno, Danny La Rue 2013

 

 

 

    Comme les fantômes d'une fête révolue, ces marquises sont muettes. Les caissons lumineux en perte de sens clignotent dans l'obscurité, apparitions - disparitions hypnotiques, créant une atmosphère mystérieuse digne du château hanté d'un parc d'attraction, cimetière d'enseignes devenues obsolètesRégulièrement, quand la salle s'éclaire complètement pendant quelques secondes le dispositif entier de "Danny La Rue", se dévoile. Le titre de l'installation n'est pas expliqué. 

 


 

Parreno expo Palais de Tokyo marquee 1Marquee de Philippe Parreno, Danny La Rue 2013

 

 

         Une marquise lumineuse est installée à l'entrée du Palais de Tokyo et bien sûr elle n'annonce rien sinon l'exposition de Philippe Parreno pour ceux qui connaissent son oeuvre. "Marquee" signale un passage entre la rue et le musée, entre le réel et l'imaginaire, c'est une invitation à un spectacle qui n'aurait pas de nom.

 


 

Parreno expo Palais de Tokyo marquee 4Marquee de Philippe Parreno, à l'entrée du Palais de Tokyo

 

 

 

   Comme Annette Messager dans ses installations, Philippe Parreno travaille avec la lumière intermittente, le bruit et le mouvement.

 

 

 

 

Lien sur ce blog:

Annette Messager: "Continents noirs", cités obscures à la galerie Marian Goodman

 

 

 

Philippe Parreno, Anywhere, anywhere out of the world
Du 23/10/2013 au 12/01/2014
Tous les jours, de midi à minuit


      

 

Palagret

art contemporain

décembre 2013


 

Dossier de presse:

Philippe Parreno, figure éminente de la scène artistique internationale, transforme radicalement le Palais de Tokyo. Il répond à la carte blanche qui lui est donnée par une exposition totale dans laquelle son dialogue avec l’architecture fait œuvre.


Figure majeure de la scène artistique française et internationale, Philippe Parreno (né en 1964, vit et travaille à Paris) doit sa renommée à une oeuvre protéiforme et souvent éphémère qui remet en question les formats d’exposition et la nature des images. En s’inspirant du cinéma comme de la télévision, du théâtre comme du spectacle, Philippe Parreno élabore différents dispositifs pour construire des situations, pour concevoir des lieux à traverser, pour créer des trames qui interrogent, simultanément, le statut de l’oeuvre d’art et celui de l’exposition. Véritable espace expérimental, l’exposition est considérée comme un format ouvert et indéterminé. « Une exposition n’est jamais finie » ; « je travaille sans scénario définitif » explique-t-il.

Philippe Parreno qui émerge sur la scène artistique au début des années 1990, considérait, lui et ses acolytes de l’Ecole des Beaux-arts de Grenoble - Dominique Gonzalez Foester, Bernard Joisten, Pierre Joseph – que « le projet était plus important que l’objet ». De fait, son oeuvre ne se matérialise qu’accessoirement sous formes d’objets et elle ne peut exister sans une mise en exposition, une mise en tension. Sa première vidéo, Fleurs, réalisé en 1988, était destinée à une diffusion cathodique aléatoire. Cette image fixe qui jouait de la mise au point sur un bouquet de fleurs annonce, la notion de « plan-séquence », devenue fondamentale, dans l’élaboration de ses expositions. Quant à No More Reality, une manifestation d’enfants avec banderoles et slogans, filmée en 1995, elle transforme l’image télévisuelle en « jeu » et la construction en « effet de réel ».

Curieux, ouvert, Philippe Parreno puise dès la fin des années 1990 dans le langage, la narration, la temporalité mais aussi dans le théâtre, les codes télévisuels et cinématographiques pour élaborer une oeuvre qui met en tension ces différents univers. Il met ainsi en scène des figures de la télévision comme Yves Lecoq, Dagmar Bergdoff, mais aussi des ventriloques comme Ronn Lucas, détournant les codes du monde du spectacle afin de flirter avec la mince frontière qui sépare la réalité de la fiction. Nombreux sont aussi les exemples d’oeuvres de cette période qui investissent, parfois littéralement, le champ du cinéma ou de la télévision. Autre composante essentielle : l’absence, la fascination pour les fantômes et les revenants, la disparition et leurs traces.
Snow Dancing est une exposition qui se mue en fête le temps d’une soirée. Cette oeuvre majeure, conçue au Consortium à Dijon en 1995, est réalisée à partir d’un récit pré-éxistant : elle est issue d’un livre, qui est à la fois le scénario et le commentaire de l’événement. Elle invite les visiteurs à découvrir les traces d’une fête révolue ; ces empreintes dessinant à leur une absence, un vide habité d’imaginaire. Ce caractère labile et imaginaire est aussi évoqué par les Speech bubbles (1997), supports de paroles en attente de discours, qui demandent, à leur tour, d’être remplis d’imaginaire. Ce principe d’un corps habité, d’une coquille qui s’incarne, se cristallise, en 1999, autour du projet - No Ghost Just a Shell - mené avec Pierre Huyghe, autour du personnage manga Ann Lee. Ils sollicitent une vingtaine d’artistes à réinventer, sous d’autres formes et selon des histoires différentes, le personnage manga, Annlee, acheté à une agence japonaise. Cette oeuvre leur a, par ailleurs, permis d’imaginer de nouvelles façons d’être et de travailler ensemble. Cette démarche collective est récurrente dans le travail de Philippe Parreno, qui, dès ses débuts, opte pour une esthétique de collaboration.

« C’est une manière d’aller plus vite, d’absorber des idées, des informations. Je ne travaille pas sous vide, les frottements et les résistances peuvent changer la nature d’une oeuvre » affirme-t-il. Il en sera de même avec le projet d’exposition mené en 2003 – Alien Seasons - au Musée d’art moderne de la ville de Paris pour lequel, il collabore avec des scientifiques, comme Jaron Lanier, transformant, l’exposition en espacetemps, en un lieu d’expérimentation, en un monde où la réalité virtuelle se confond avec la vie.

Philippe Parreno pense l’exposition comme un objet, comme un espace-temps, une expérience dont il réévalue, sans cesse, les limites spatiales et temporelles. Il élabore ainsi des modèles d’exposition susceptibles d’offrir de multiples points de vue sur la création : elle tisse des liens entre les différents éléments qui la constituent et reflète une pratique artistique à bien des égards non linéaire. Il intervient, selon ce principe, en 2012 dans l’exposition qui s’est tenue au Philadelphia Museum, Dancing with the bride. Tel un metteur-en-scène, un chef d’orchestre, l’artiste crée une mise en scène inédite pour explorer les liens entre John Cage, Merce Cunningham, Jasper Johns, Robert Rauschenberg et Marcel Duchamp. Cette exposition se situe dans le prolongement de son exposition éponyme à la Serpentine Gallery en 2010 dans laquelle il joue des effets et combinaisons sonores, pour inviter les visiteurs, selon un enchainement précis à se déplacer de salles en salles afin de découvrir ses films. En 2009, l’exposition du Centre Pompidou, était aussi synchronisée sur une boucle temporelle de 10 minutes, transformant la visite en séance cinéma autour du film June 8, 1968. En 2012, sur ce principe, à la Fondation Beyeler, il met en scène deux nouveaux films dans une chorégraphie de sons et d’images qui guide le visiteur à travers l’espace.

La même année, dans les arènes d’Arles, Philippe Parreno et Liam Gillick invitent à suivre pendant quatre jours une exposition faite d’événements hétérogènes. Composée d’installations, de performances, de concerts, de projections et d’autres pièces, cette exposition a été un champ d’intervention inédit. En constante évolution, elle a été une véritable promesse de voyage : Vers la lune en passant par la plage. « Il s’agit d’une exposition sur le travail, la production et la transformation » annoncent Liam Gillick et Philippe Parreno, chefs d’orchestre de ce vaste projet. Ainsi, le temps de la gestation, le temps de production et le temps de l’exposition : cette boucle temporelle qui explore les trois temps de l’oeuvre d’art est pulvérisée. Dés 2007, il fait du temps le principal lieu de son travail, le principal objet de ses expositions. Dans l’exposition de groupe Postman time, Tempo del postino, qu’il dirige et conçoit avec Hans Ulrich Obrist dans le cadre du Manchester international festival, Philipe Parreno élabore une grammaire artistique fondée sur le langage, l’échange, la collaboration et le partage qui joue de l’entremêlement et/ou de la négation de différentes temporalités. Plus de 15 artistes sont invités à collaborer pour jouer de ces déplacements de formes et de sens dont Douglas Gordon, Liam Gillick, Anri Sala, Tino Sehgal et Rirkrit Tiravanija.

Sa proposition pour le Palais de Tokyo se situe dans le prolongement de sa démarche artistique et de ses précédentes expériences. Sa démarche qui fait de l’exposition un objet et du temps une matière prend dans le cadre de sa carte blanche au Palais de Tokyo une ampleur et une importance inédite.

Il a récemment exposé au Garage Center for Contemporary Culture, Moscow (2013) ; Barbican Art Gallery, Londres (2013) ; Fondation Beyeler, Riehen/ Bâle (2012) ; Philadelphia Museum of Art (2012) ; Serpentine Gallery, Londres (2010-2011) ; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris ; Centre for Curatorial Studies, Bard College, New York (2009 - 2010) ; Irish museum of modern art (2009) Kunsthalle Zürich (2009) et Centre Pompidou.

 

 

 

Notes:

Transcription pour piano à quatre mains de Petrouchka, scènes burlesques en quatre tableaux d'Igor Stravinski, 1911, interprété par Mikhaïl Rudy.

 


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12 décembre 2013 4 12 /12 /décembre /2013 19:34

 

   « Je suis une messagère sans messages »

 

    Cités immobiles comme suspendues dans l'espace, cités foudroyées, cités brûlées, cités à peine éclairées par le mouvement pendulaire de quelques ampoules, telle est "Continents noirs", l'installation d'Annette Messager à la Galerie Marian Goodman.

 


 

Annette Messager Continents Noirs Goodman 1Continents noirs, Annette Messager

 

 

 

 

    Le balancement des lampes et les grincements des petits moteurs qui les animent rythment le temps. Sur les murs blancs, la danse des ombres fait naître un monde cauchemardesque. Tout cela donne l'illusion de mouvement, de dérive, alors que les sculptures sont immobiles. 

 

 

 



Continents noirs, Annette Messager par Palagret

 

 

 

   Comme survivantes d'un terrible cataclysme, Tchernobyl, Fukushima, erreurs humaines ou feu divin, les cités obscures recouvertes d'aluminium noir se voient à peine. Dans ce théâtre funèbre, on distingue des villes convulsées, des gratte-ciels et des pyramides renversés, des rails arrachés, des cheminées de centrales atomiques mortes. Les formes géométriques extravagantes créent des villes dystopiques, images d'un désastre annoncée. On croit y voir aussi des formes animales, des foetus carbonisés, des vampires ou des monstres nés du jeu des ombres.

 

 

 

Annette Messager Continents Noirs Goodman 5Continents noirs, Annette Messager


 

 

   Ici pas de poupées démembrées, de peluches décapitées ou d'objets disloqués comme dans les oeuvres précédentes. L'installation se compose de sculptures noires accrochées au plafond et de petits moteurs balançant des ampoules éclairant les formes par intermittence.

 

 


 

Annette Messager Continents Noirs Goodman 0Continents noirs, Annette Messager


 

 

   Annette Messager, s'inspirerait de l’univers des Voyages de Gulliver de Jonathan Swift. Elle joue ici avec les codes du fantastique et de la science fiction, pour nous parler de notre monde menacé d'un cataclysme inévitable

 


 

Annette Messager Continents Noirs Goodman 3Continents noirs, Annette Messager


 

 

   Comme beaucoup d'oeuvres d'Annette Messager, "Continents noirs" est une installation macabre en accord avec "Mes transports", l'installation présentée au rez-de-chaussée de la galerie Marian Goodman.



 

Annette Messager Continents Noirs Goodman 6Continents noirs, Annette Messager


 

  "Continents noirs" est aussi le titre générique d'une exposition d'Annette Messager à Strasbourg en 2012.


 

 

Annette Messager Continents Noirs Goodman 7Continents noirs, Annette Messager


 

 

 

Annette Messager, Mes transports, Continents noirs

Du 13 novembre au 21 décembre 2013

79 rue du Temple Paris

 

 

 

Annette Messager Continents Noirs Goodman 9Continents noirs, Annette Messager


 

 

Liens sur ce blog:

Umberto Eco au Louvre, vertige de la liste, Annette Messager

Art contemporain, catégorie art rigolo mais inquiétant

 

 

 

Une interview d'Annette Messager de 1995

 

 

Annette Messager Continents Noirs Goodman 4Continents noirs, Annette Messager


 

 

 

 

Palagret

art contemporain

décembre 2013

 

 


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5 décembre 2013 4 05 /12 /décembre /2013 02:10

 

   On voit de nombreux vases décorés de tags et dessins dans l'exposition The political line dédiée à Keith Haring. Ces vases et certaines sculptures ont été réalisées en collaboration avec LA II, aka Angel Ortiz, un jeune graffitiste du Lower east side New-Yorkais.

 

 

 

Keith Haring political line vase TV 2Vase décoré de tags par Keith Haring et La II

 

 

 

 

   Dès les années 80 Keith Haring remarqua le travail d'un street-artist qui se révéla être un jeune garçon de 13 ans. A partir de leur rencontre Keith Haring et  LA II, aka Angel Ortiz, collaborèrent pendant près de six ans. Plus Keith Haring devient célèbre, plus LA II est oublié et nombre de ses oeuvres ont été exposées et vendues sous le seul nom de Keith Haring. Aujourd'hui Little Angel le partenaire silencieux (silent partner) de Keith Haring demande à être reconnu.

 

 

 

Keith Haring political line 3 vases décorés LA2Untitled, 1981-1982, vases de Keith Haring et La II

 

 

 

   Richard Hambleton, un ami de Keith Haring, déclare: " "LA II a appris à Keith à remplir les espaces blancs sur la toile et son art a alors atteint un nouveau niveau."

 

 


Keth Haring LA II affiche affiche avec les deux noms de Keith Haring et LA II

 

 

 

 

    On retrouve sur les vases toute l'iconographie de Keith Haring: le bébé rayonnant (radiant baby), le chien aboyant (barking dog), le serpent, l'écran de télévision, les silhouettes dansantes, l'intrication des dessins etc ...

 

 

 

Keith-Haring-political-line-Michel-Ange-30552.jpgBuste du David de Michel-Ange revisité par Keith Haring et La II

 

 

 

 

   Les vases de forme traditionnelle en terre cuite ou en fibre de verre sont couverts de tags très contemporains. Keith Haring et La II se moquent ainsi de la culture classique, comme avec le buste du David de Michel-Ange. Orné d'un entrelac de lignes noires sur fond rouge et de beaux cheveux verts la sculpture emblématique de l'art occidental devient comique.

 

 

 

Keith Haring political line vase TVUntitled, 1981, vase orné de dessins or de Keith Haring et La II

 

 


 

 

Dossier de presse:

Keith Haring, virtuose du dessin, a étudié à la School of Visual Arts à New York. Génie de la ligne, travailleur incessant et rapide, il a énormément produit, réalisant ses œuvres en écoutant de la musique. Il a utilisé de multiples supports et eu recours aux medias de son époque allant jusqu’à commercialiser des produits dérivés dans son célèbre Pop Shop à partir de 1985.

 

 

 

Keith Haring political line vase serpentUntitled, vase au serpent de Keith Haring et La II

 


 

Avec près de 250 œuvres réalisées sur toile, sur bâche ou dans le métro, - dont une quinzaine de grands formats seront exposés au CENTQUATRE, cette exposition est l’une des plus importantes jamais réalisées sur cet artiste.

Keith Haring fut l’un des artistes les plus célébrés de son époque, et aujourd’hui encore tout le monde connaît son style incomparable et son répertoire de signes emblématiques. Il a été exposé avec Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Jenny Holzer et Daniel Buren, dès la Documenta 7 en 1982 et dans des musées et biennales du monde entier.

 

 

 

Keith Haring political line vase décoré 3Untitled, vase de Keith Haring et La II

 

 

 

Les messages et les idées politiques qu’il a véhiculés ne constituent pas seulement une part de son héritage, mais ont considérablement influencé les artistes et la société. Ses « subway drawings » réalisés dans le métro, ses peintures, ses dessins et sculptures, étaient porteurs de messages de justice sociale, de liberté individuelle et de changement. Icône du Pop art, artiste subversif et militant, Keith Haring a multiplié les engagements tout au long de sa vie : très jeune, il était animé par une envie de transformer le monde.

 

 

 

Keith Haring political line 3 vases décorésUntitled, 1981-1982, vases de Keith Haring et La II

 

 

 

 

En utilisant délibérément la rue et les espaces publics pour s’adresser au plus grand nombre, il n’a cessé de lutter contre le racisme, toutes sortes d’injustice et de violence, notamment l’Apartheid en Afrique du sud, la menace nucléaire, la destruction de l’environnement, l’homophobie et l’épidémie du sida (dont il est mort non sans avoir créé une fondation caritative au profit de la lutte contre la maladie). Le parcours de l’exposition rend compte de ses prises de position critiques.

 

 

 

 

Keith Haring, The political line

19 avril - 18 août 2013

Musée d'art moderne de la ville de Paris

 


 

 

Keith Haring political line vase décoré bébé 4Untitled, amphore de Keith Haring et La II

 

 

 

La non-reconnaissance de LA II

 

 

 

Liens sur ce blog:

Keith Haring, les dix commandements au 104

Keith Haring: Jésus, l'enfant rayonnant, à Saint-Eustache

 Keith Haring: un ballon à la parade de Thanksgiving à New-York

Palagret
août 2013
art contemporain


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30 novembre 2013 6 30 /11 /novembre /2013 03:21

 

   "Oculus historiae", l'oeil de l'histoire, est une oeuvre archéologique fictive d'Anne et Patrick Poirier. L'oeil de marbre se présente comme le fragment d'une colossale statue disparue. On ne voit que l'oeil, la paupière, le sourcil et l'amorce de l'arrête du nez.

 

 

 

Oculus historiae Anne et Patrick Poirier Chaumont 0OCVLVS HISTORIAE, oeil de l'histoire, d'Anne et Patrick Poirier

Parc du château de Chaumont-sur-Loire

 

 

 

   Anne et Patrick Poirier font le récit de cette découverte archéologique:

   " ... recouvert de lianes et de mousses, enfoui sous le lierre, ils dégagèrent un énorme bloc monolithe de marbre. Une inscription à peine lisible en hautes lettres antiques disait : OCVLVS HISTORIAE. Une fois le bloc nettoyé, ils eurent la surprise de découvrir un œil gigantesque qui les regardait, un regard défiant le temps,  abandonné là, près de cette « Capella », vestige d'un culte, d'une culture, d'une mémoire invincible, d'un secret, d'une âme cachée, là..."


 

 

Oculus historiae Anne et Patrick Poirier Chaumont 2"OCVLVS HISTORIAE" gravé derrière l'oeil de marbre d'Anne et Patrick Poirier

Parc du château de Chaumont-sur-Loire

 

 

   Oculus historiae est située dans le sous-bois à quelques mètres des huit grandes stèles de marbre qui forment "Capella dans la clairière", autre découverte du passé exhumée par les plasticiens archéologues-sculpteurs. Cette fois-ci l'inscription au dos de la sculpture est en latin et non en français comme sur les stèles de la chapelle.

 


 

Oculus historiae Anne et Patrick Poirier Chaumont 1OCVLVS HISTORIAE, oeil de l'histoire, d'Anne et Patrick Poirier

Parc du château de Chaumont-sur-Loire


 

 

 

   Il existe à Munich un ensemble de quatre sculptures d'Anne et Patrick Poirier intitulées "Oculus historiae, oculus memoriae, oculus oblivionis".

- L'oeil de l'histoire est un disque convexe d'1 mètre 60 placé au-dessus des portes d'un bâtiment.

- Sans titre est une colonne disloquée comme celle du quartier du Ponan à Paris.

 


 

Oculus Poirier http-:commons.wikimedia.org:wiki:File-Nordna


 

 

- L'oeil de la mémoire et l'oeil de l'oubli sont deux sculptures en marbre représentant deux yeux inspirés de Michel-Ange

 

 

   L'histoire, la mémoire et l'oubli sont les thèmes récurrent de l'oeuvre d'Anne et Patrick Poirier nous faisant réfléchir à la fragilité des civilisations.

 

 

Liens sur ce blog:

 

Palagret
novembre 2013
 art et illusion archéologique


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26 novembre 2013 2 26 /11 /novembre /2013 13:44

 

 

   Les défenseurs d'un château de Versailles figé dans sa splendeur passée ne peuvent que grincer des dents en voyant la sculpture Mary Poppins suspendue dans l'escalier Gabriel. Avec beaucoup d'humour, Joana Vasconcelos, la plasticienne portugaise, dispose ses oeuvres de tissus et de plumes à travers le château du Roi-Soleil. Confrontées au marbre, à l'exhubérance des stucs et des dorures et à l'emphase des tableaux de bataille, les monumentales Valkyries de chiffon apportent de l'humour à un décor emphatique.

 

 

 

Vasconcelos Versailles Mary Poppins 9Tentacule de tissu devant une statue en marbre de Louis XIV en empereur romain

Mary Poppins, Joana Vasconcelos, Versailles

 

 

   La couture et la broderie sont des activités traditionnellement féminines mais, par leur ampleur, les oeuvres de Joana Vasconcelos n'ont rien de "féminin". La sculpture Mary Poppins est un patchwork de tissus artisanaux, industriels, luxueux brocarts, festons, glands, boutons etc ... Mesurant sept mètres de long, ses six tentacules hérissées de pointes se déploient au-dessus de la tête des touristes. Perplexes ou amusés, ils se pressent vers les appartements royaux, plus intéressés à photographier les multiples statues et portraits à la gloire du Roi-Soleil que par ce bizarre art contemporain. 

 

 

 

Vasconcelos Versailles Mary Poppins 2Mary Poppins, Joana Vasconcelos, Versailles

 

 

 

 

     Mary Poppins est une Valkyrie mais aussi une pieuvre ou une hydre; un animal gigantesque mou, une chimère mythologique. Mary Poppins est un monstre proliférant qui ne fait même pas peur, tout à fait incongru à Versailles et tout à fait réjouissant. Mary Poppins est le nom d'une icône enfantine, la nounou magique qui vole accrochée à son parapluie, une femme libérée de la pesanteur.

 

 

 

Vasconcelos Versailles Mary Poppins 3Mary Poppins, sculpture molle, Joana Vasconcelos, Versailles

 

 

 

           Mary Poppins  fait partie de la série des Valkyries, déesses guerrières nordiques conduisant l'âme des morts au valhalla. Trois autres sculptures molles sont exposées dans la Galerie des Batailles de Versailles, lieu de pouvoir masculin, où les femmes ne pouvaient avoir d'influence que dans l'ombre.

 

   Aujourd'hui les jardins, les appartements royaux et la Galerie des Batailles accueillent des sculptures pop joyeuses dont la tristesse n'est pas absente: les escarpins de Marilyn faits de casserolles en inox (stéréotype de la femme séductrice et ménagère), Lilicopter, un hélicoptère décoré de plumes d'autruche (plumes qu'affectionnait Marie-Antoinette pour ses chapeaux), Coeurs indépendants rouge et noir, des coeurs faits de couverts plastique fondus, Gardes, des lions de pierre recouverts de broderie (image de la force virile prisonnière) etc ...  

 

"Joana Vasconcelos Versailles" est une exposition "dédiée à toutes les femmes de Versailles" a déclaré Joana Vasconcelos, la plasticienne portugaise.

 

 

 

Vasconcelos Versailles Mary Poppins 8Mary Poppins, monstre tentaculaire de tiss

Joana Vasconcelos, grand escalier Gabriel, Versailles

 

 

 

 

Dossier de presse:

Mary Poppins – ange de la culture populaire des temps modernes – renvoie enfin au génie du lieu, l’architecte Ange-Jacques Gabriel, qui a dessiné le Grand Degré. Entre profane et sacré, les visiteurs du Palais commencent ici leur parcours sous l’insolite protection de Saint Gabriel et de Mary Poppins.


 

 

Vasconcelos-Versailles-Mary-Poppins-25.jpgMary Poppins, Joana Vasconcelos, Versailles

 

 

 

 

"Joana Vasconcelos Versailles" 

Château de Versailles, Versailles. 

Du mardi au dimanche de 9 heures à 18 h 30 pour les grands appartements, de 8 heures à 20 h 30 pour le parc.

Entrée : 18 €.

Du 19 juin au 30 septembre 2012.

 

 

 

 

 

Liens sur ce blog:

Joana Vasconcelos à Versailles: lilicopter, un hélicoptère en plumes roses au milieu de mâles révolutionnaires

Joana Vasconcelos: la noiva (la mariée), un lustre d'une blancheur virginale exilé au 104

Joana Vasconcelos, contamination textile à Versailles en juin 2012

Patrimoine et art contemporain à Versailles: esprit de sérieux et dérision avec Koons, Murakami, Vasconcelos, etc

 

Bernar Venet à Versailles: caprice sculptural, sculpture monumentale, 219.5° Arc x 28 

Split Rocker de Jeff Koons à Versailles

Murakami à Versailles: rutilants bouddhas d'or et d'argent

Xavier Veilhan, un carrosse violet immobilisé en pleine course à Versailles

 

 

Photos de la fabrication des Valkyries

 

 

 

Palagret

art contemporain et patrimoine

septembre 2012

 

 


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17 novembre 2013 7 17 /11 /novembre /2013 02:51

 

   Les fausses ruines d'Anne et Patrick Poirier luisent faiblement dans le sous-bois du parc de Chaumont sur Loire. Des inscriptions énigmatiques sont gravées sur les dalles de marbre blanc. La sculpture se voit de l'extérieur et se traverse aussi afin de lire les mots et de découvrir le cerveau, siège de la mémoire et de l'oubli, posé au sol.


 

 

Anne et Patrick Poirier Capella dans la clairière ChaumonOubli, observation, " Capella dans la clairière ", oeuvre d'Anne et Patrick Poirier, 2010

Parc du château de Chaumont sur Loire

 

 

 


Capella dans la clairière, Anne et Patrick... par Palagret

 

 

 

 

Sur un côté intérieur de la chapelle, on lit:

"Franchie

la porte étroite

vers le coeur ...

mais non

vous ne verrez rien

si vous restez ainsi

spectateurs

ébahis de l'apparence"

 

 

 


Anne et Patrick Poirier Capella dans la clairière ébahiEbahis de l'apparence, " Capella dans la clairière ", oeuvre d'Anne et Patrick Poirier, 2010

Parc du château de Chaumont sur Loire

 

 

 

 

A l'extérieur de la chapelle, les mots oubli, passion ...

 

 

 

 

Article et autres photos ici

 

 

Palagret

novembre 2013

archéologie fictive et art contemporain

 


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12 novembre 2013 2 12 /11 /novembre /2013 21:02

 

    Gilles Barbier enserre un corps très réaliste, un moulage de son propre corps, dans un foisonnement végétal qui l'absorbera peu à peu. L'homme semble condamné à disparaître, à se fondre dans la nature. Il n'est plus la mesure de toute chose.

 

 

 

Gilles Barbier Man still Fiac 13 Jardin des Plantes 4Man still, Gilles Barbier

FIAC 2013 hors les murs, Jardin des Plantes

 

 

 

     Installé devant la Grande Serre du Jardin des Plantes, l'homme tranquille est pensivement assis, mains jointes. Comme dans les récits mythologiques, le personnage se transforme en végétal: Daphné devenant un laurier, Philémon et Baucis devenant chêne et tilleul issu d'un seul tronc. Il ne s'agit ici ni de vengeance des dieux ni de prodige, simplement d'une évolution. 


 

 

 

Gilles Barbier Man still Fiac 13 Jardin des Plantes 0Man still, Gilles Barbier

FIAC 2013 hors les murs, Jardin des Plantes

 

 

    Pierre qui roule n'amasse pas mousse et un être humain immobile se couvre de champignon, de lichen, d'écorce et de racines. De nature morte, la sculpture devient nature vivante ou plutôt illusion de nature proliférante puisque les plantes sont en plastique au contraire de celles à l'abri dans la serre. 

 

 

 

Gilles Barbier Man still Fiac 13 Jardin des Plantes 5 Man still, Gilles Barbier

FIAC 2013 hors les murs, Jardin des Plantes


 

   Still people, le nom de la série, est dérivé de still life qui veut dire nature morte. Still people pourrait être la définition même de la sculpture représentant des êtres humains, des statues de généraux commémorant de hauts faits d'armes aux moulages d'Antony Gormley, de George Segal ou de Jeff Koons.

 

 

 

Segal-Art-Paris-2012.jpgsculpture de George Segal, Art Paris 2912

 


 

Dossier de presse:

"Man Still, 2013
Résine, peinture à l’huile, plantes en plastique, éléments divers
140 x 155 x 140 cm
Présentée par Georges Philippe & Nathalie Vallois, Paris

Gilles Barbier est né en 1965 au Vanuatu (Pacifique Sud), il vit et travaille à Marseille. Il pratique un certain rituel de l’empreinte de sa propre forme plastique depuis de nombreuses années. C’est une performance physique, mais qui s’effectue dans le retrait, l’immobilité et la concentration. Ce temps long est littéralement présent dans la série des Still People et notamment chez le Man Still où le corps masculin se présente dans une position assise, méditative, étrangement envahi par une végétation luxuriante."

 

 

 

Gilles-Barbier-homme-Jardin-des-Plante.jpgMan still, Gilles Barbier

FIAC 2013 hors les murs, Jardin des Plantes

 

 


"Une sculpture «romantique» que l’on interprétera à souhait, selon sa dimension autobiographique d’hommage à la pratique elle-même, sa dimension métaphorique d’un homme comme retiré de son époque, ou encore symbolique : celle d’un être réconcilié qui laisserait pousser sur lui-même l’anarchie de ce qu’il a domestiqué et asservi depuis plusieurs siècles. (Gaël Charbaud)"

 

 

FIAC 2013

Jardin des Plantes, Paris

24 - 27 octobre 2013

 

 

Lien sur ce blog:

Fiac 2013, la représentation de l'homme au Jardin des Plantes



 

 

Palagret

art contemporain

novembre 2013


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