archéologie du futur / archéologie du quotidien

   A l'automne 1965, Roy Lichtenstein peint des tableaux dont le sujet est la peinture elle-même. Les Brushstrokes (coups de pinceau) sont dans la lignée de l'expressionisme (Jackson Pollock, William de Kooning) où l'acte de peindre, avec ses coulures et ses taches, était le vrai acte artistique et non l'imitation et la représentation du réel.

Brushstroke, coup de pinceau, de Roy Lichtenstein 1988, détail

Caisse des Dépôts et consignations, Paris

   Avec ironie, Lichtenstein détourne la théorie de l'action painting. Son coup de pinceau n'est plus spontané et imparfait comme dans l'expressionnisme abstrait. Au contraire il peint soigneusement des coups de pinceau agrandis et simplifiés, cernés de noir sur une trame de points. Le brushstroke, l'acte fondamental de peindre est dépersonnalisé, sans émotion. Le geste pictural est parodié de la même manière que les images tirées des comic-books, dans un style froid et mécanique. La toile est parfaitement lisse, sans éclaboussure ou dripping, et les pinceaux représentés sont plus des outils de peintre en bâtiment que des pinceaux d'artiste.

1- Brushsrokes 1965, 2- Brushstroke with spatter 1966. Exposition Roy Lichtenstein, Centre Pompidou

    "Même si j'avais caressé l'idée auparavant, ça a commencé avec une image de bande-dessinée représentant un artiste fou qui barrait, avec un énorme coup de pinceau en forme de X, le visage et l'esprit qui le hantait. J'en ai fait un tableau. Celui-ci comprenait le coup de pinceau en X, le pinceau et la main de l'artiste. Puis j'ai continué à faire des tableaux de coups de pinceau uniquement."

Strange suspens stories, The painting, de Dick Giordano, 1964 - 3

Source probable de l'inspiration de la série des Brushstroke 

    "Ca m'intéressait de décrire, voire de caricaturer, un coup de pinceau. La nature même d'un coup de pinceau est antinomique par rapport aux contours et au remplissage tels qu'ils se pratiquent dans la bande dessinée. J'ai donc développé une forme pour cela, ce que j'essaie aussi de faire pour les explosions, les avions et les personnes - à savoir, obtenir une chose standardisée - un tampon ou une image. Le coup de pinceau était particulièrement complexe. L'idée m'est venue très tôt à cause des tableaux de Mondrian et de Picasso qui m'ont inévitablement conduit à l'idée de réaliser un De Kooning. Les coups de pinceau font évidemment référence à l'expressionisme abstrait." 1

Brushstroke, Coup de pinceau, de Roy Lichtenstein 1988

Caisse des Dépôts et consignations, Paris

    "Les coups de pinceau revêtent une importance primordiale dans l'histoire de l'art. Les coups de pinceau sont presque un symbole de l'art ... Bien sûr quand les coups de pinceau sont visibles sur une toile, on y voit un côté grand geste. Mais, entre mes doigts, le coup de pinceau devient la représentation de ce grand geste. Il y a ainsi une contradiction frappante entre ce que je dépeins et comment je le dépeins."

Brushstroke, Coup de pinceau, de Roy Lichtenstein 1988

Caisse des Dépôts et consignations, Paris

   Les Brushstrokes peints sont sans ombre ni relief, sans profondeur. Juste des images planes sur une surface plane. A partir de 1980, Roy Lichtenstein reprend le motif du coup de pinceau en sculpture, jouant du paradoxe de représenter en trois dimensions un pur geste pictural. 

 "Le coup de pinceau, c'était juste une idée au départ. La peinture la rend plus concrète mais quand vous en faites une sculpture de bronze, ça devient réel, ça pèse lourd et c'est absurde, contradictoire et amusant." 2 

Brushstroke, Coup de pinceau, de Roy Lichtenstein 1988, détail

Caisse des Dépôts et consignations, Paris

Brushstroke, Coup de pinceau, de Roy Lichtenstein, 1988, détail

Caisse des Dépôts et consignations, Paris

Brushstroke, Coup de pinceau, de Roy Lichtenstein, 1988, détail

Caisse des Dépôts et consignations, Paris

Brushstroke, Coup de pinceau, de Roy Lichtenstein, 1988

   Un Stonehenge de baudruche sur lequel les enfants sautillent et rebondissent comme dans un château gonflable. Pleine d'humour et d'irrévérence, telle est Sacrilège, la sculpture pop gonflable de Jeremy Deller, une attraction foraine-oeuvre d'art qui rend dérisoire le célèbre monument néolithique.

Sacrilège, Stonehenge gonflable, de Jeremy Deller Fiac 2012

   Les fausses pierres peintes se détachent comiquement sur le dôme des Invalides d'un côté, sur le pont Alexandre III de l'autre. A la lourdeur des vraies pierres dressées s'opposent la légèreté et la plasticité de la baudruche.

Sacrilège, Stonehenge gonflable, de Jeremy Deller Fiac 2012

esplanade des Invalides

     Le vrai Stonehenge, le cercle de pierres dressées dans la plaine de Salisbury en Angleterre, suscite l'étonnement et l'admiration depuis des siècles. Les peintres et les poètes (Constable ou William Blake) de l'âge romantique ont chanté ce site remarquable plein de mystère. Aujourd'hui les mégalithes concentriques de Stonehenge sont complètement désacralisés par le plasticien anglais. 

Sacrilège, Stonehenge gonflable, de Jeremy Deller Fiac 2012

   Jeremy Deller décrit son oeuvre comme "un moyen de se refamiliariser avec l'ancienne angleterre ... sans chaussures" et le Maire de Londres Boris Johnson ajoutait:  “'Vous n'avez pas besoin d'être un spécialiste de l'histoire ancienne ou un adorateur du solstice pour comprendre la fascination que suscite Stonehenge. Le Sacrilège de Jeremy Deller est plein d'esprit et d'irrévérence, marque de notre humour anglais." 1 

Sacrilège, Stonehenge gonflable, de Jeremy Deller Fiac 2012

         En ce jour de pluie intermittente les enfants parisiens pataugeaient dans l'eau retenue entre les boudins gonflables et après moulte pirouettes et glissades ressortaient trempés et ravis du faux monument de baudruche. Pendant la FIAC 2012, Sacrilège était plus présentée comme une oeuvre d'art que comme une attraction. En Angleterre au contraire, les enfants étaient encouragés à venir déguisés en druide et à publier leurs photos sur flick'r. Une nouvelle manière de considérer l'art public contemporain, entre installation et fête foraine. Le Stonehenge gonflé interactif a circulé dans 25 villes anglaises.

Sacrilège, Stonehenge gonflable, de Jeremy Deller Fiac 2012

   Après Glasgow, Londres et Belfast, Sacrilège, le stonehenge de baudruche continue sa tournée mondiale. Il est aujourd'hui à Hong-Kong dans l'exposition "Inflatable" (avril- 6 juin 2013) à côté d'un cochon rose (House of treasures) du chinois Cao Fei, d'un  étron (complex pile) de l'américain Paul McCarthy, d'une fleur noire (emptyness is form) du coréen Choi Jeong Hwa, d'un cafard la tête enfouie dans le sol et d'une paire de jambes qui en émerge (Falling into the mundane world) du coréen Tam Wai Pingon et d'autres monumentales sculptures gonflables. Non loin de là, le canard géant du danois Florentijin Hofman a sombré dans la baie comme il le fit tristement à Saint-Nazaire en 2007.

Cafard et jambes de Tam Wai Pingon. Au fond Stonehenge de Jeremy Deller

 Exposition Inflatable, Hong-Kong

        EN 2010, l'artiste américain Jim Ricks a créé the Poulnabrone bouncy dolmen, une réplique gonflable deux fois plus grande qu'un vrai dolmen. 

     En 1977, le land artist Robert Morris créa "l'observatorium" directement inspiré de Stonehenge, une installation creusée dans la terre en fonction des solstices et des équinoxes comme le vrai monument préhistorique.

Sacrilège, Stonehenge gonflable, de Jeremy Deller Fiac 2012

Dossier de presse Fiac 2012:

Sacrilège, Stonehenge gonflable, de Jeremy Deller Fiac 2012

Sacrilège, Stonehenge gonflable, de Jeremy Deller Fiac 2012

Jeremy Deller, Sacrilège, 2012 
Stonehenge gonflable 
Structure plastique, 12 ventilateurs, 1 générateur 
Diamètre: 34 m,  Circonférence : 120 m,  Hauteur : 7 m
FIAC 2012. Présentée par la galerie Art: Concept, Paris

En collaboration avec la Ville de Paris.  Avec le soutien du British Council

Sacrilège, Stonehenge gonflable, de Jeremy Deller Fiac 2012

Autres sculptures gonflables:

Léviathan vu de l'extérieur, la sculpture gonflable-gonflée d'Anish Kapoor à Monumenta

The bouncy dolmen de Jim Ricks

Inflatable, Hong-Kong

L'étron gonflable de Paul McCarthy à Berne

Le canard géant de Hofman meurt à Taïwan et ressuscite à Los Angeles

Estuaire 2007: grandeur et décadence du canard géant de Florentin Hofman

Les sculptures gonflables de Max Streicher

Le tank gonflable de Claude Lévêque

Big air package de Christo à Oberhausen: 

Les Nanas de Niki de Saint Phalle en sculptures gonflables

Jeff Koons: Rabbit, le lapin géant en baudruche, flotte à Covent Garden

Anne et Patrick Poirier à Chaumont sur Loire, "Capella dans la clairière", archéologie fictive

Photos des participants jouant dans Sacrilege de Jeremy Deller 

Palagret

art gonflable

juin 2013

Source:

1- The Telegraph

    Nouer des sacs de plastique coloré sur un filet au milieu de l'atrium de la Gare Saint-Lazare, voilà une occupation ludique qui attire les badauds. Du 15 au 21 mai 2012, des centaines de voyageurs de la gare Saint-Lazare ont vu s'ériger au milieu de l'atrium une drôle de sculpture faite de banals sacs plastiques.

Plastic Bags, Pascale Marthine Tayou, Gare Saint-Lazare, Paris

    Le plasticien camerounais Pascale Marthine Tayou invitait les passants à contribuer à Plastic bags, oeuvre participative. Trois comédiens allaient chercher des volontaires dans la foule et une équipe constituée d'étudiants et du personnel de la Galleria Continua encadrait le travail. Une fois finie, la colonne compte 25 000 sacs biodégradables attachés à un filet et traverse les trois niveaux de l'atrium sur 10 mètres de haut. 

Plastic Bags, Pascale Marthine Tayou, Gare Saint-Lazare, Paris

    La sculpture se réfère aux Nymphéas de Claude Monet avec ses couleurs estompées. Ici dans l'atrium rénové de la gare, les couleurs franches - bleu, rouge, blanc, jaune, vert - des sacs se mélangent vu de loin mais la référence au peintre impressionniste n'est pas évidente. Le nom de Monet évoque cependant la gare Saint-Lazare puisque une série de douze tableaux dépeint la verrière enfumée par les locomotives à vapeur avec différents effets de lumière.

Plastic Bags, Pascale Marthine Tayou, Gare Saint-Lazare, Paris

   "J’espère que Monet ne se retourne pas dans sa tombe! Il s’agit pour nous de faire modestement une nouvelle proposition contemporaine", dit prudement  Pascale Marthine Tayou. 1

Plastic Bags, Pascale Marthine Tayou, Gare Saint-Lazare, Paris

    Le sac plastique incarne la surconsommation de nos sociétés, la prolifération des déchets, le gâchis des ressources de la planète et le problème du recyclage. Des sacs plastiques pourrissent l'environnement aussi bien en Occident qu'en Afrique ou en Asie. Conscient ou non de la signification symbolique de ces sacs ou de la dimension artistique de la colonne, les participants de mai accrochaient joyeusement les sacs. 

Plastic Bags, Pascale Marthine Tayou, Gare Saint-Lazare, Paris

    "Je suis avant tout un artiste visuel, je souhaite apporter une joie de vivre et une harmonie. Montrer que le plastique, le “mal”, peut porter le costume du “bien”. 1

   Depuis l'installation de la colonne en mai, la structure s'est légèrement affaissée, les sacs se sont tassés. Plastic Bags restera en place un an puis l'oeuvre sera peut-être réinstallée ailleurs. Les sacs plastiques sont biodégradables donc l'oeuvre finira par se détruire sous l'action de la lumière.

Plastic Bags, Pascale Marthine Tayou, Gare Saint-Lazare, Paris

   La gare Saint-Lazare voit passer 450 000 voyageurs par jour et un train toutes les 28 secondes. Dans cette ruche bruissante, l'oeuvre de Pascale Marthine Tayou haute de 10 mètres donne une note insolite à la halle blanche, ancienne Salle des pas perdus rénovée en centre commercial. Des centaines de banlieusards trop pressés empruntent les escalators qui relient les trois niveaux. Bien peu remarquent l'accumulation monumentale de sacs semblables à ceux qu'ils transportent. La sculpture est pourtant juste sous leurs yeux. C'est le destin des oeuvres dans l'espace publique. Il reste quand même quelques voyageurs qui se sont donné rendez-vous là et qui font les cent pas pour tuer le temps. Certains contemplent Plastic Bags avec perplexité ou amusement.

Video:Pascale Marthine Tayou rencontre Claude Monet... par ikonotv

   Pascale Marthine Tayou utilise ici l'accumulation et la profusion d'objets du quotidien comme dans ses sculptures exposées à La Villette ou sa colonne de casseroles exposée aux Tuileries pendant la Fiac 12.

Home sweet home, Pascale Marthine Tayou, La Villette, octobre 2012

Palagret

art contemporain dans l'espace public

janvier 2012

Colonne Pascale (détail), Pascale Marthine Tayou, Jardin des Tuileries

Lien:

Entretien avec Pascale Marthine Tayou

1- in 20minutes

   Voici enfin l'affiche de Excentriques (s) Travail in situ de Daniel Buren pour Monumenta 2012. Rien ne filtre du travail de Buren sous la verrière du Grand Palais, en cours d'installation.

affiche aux ronds colorés pour Monumenta 2012

Excentriques (s) Travail in situ de Daniel Buren

    Premier indice, l'affiche d'Excentrique(s) n'est pas faite de rayures, marque de fabrique du plasticien français mais de pois aux couleurs douces. Excentrique signifie inhabituel, loin du centre ou de la norme. En géométrie, des cercles l'un dans l'autre n'ont pas le même centre. Excentrique est ici au pluriel ce qui indique une profusion de motifs asymétriques. Des pastilles de couleurs comme les spot paintings de Damien Hirst ou les pois de Yahoi Kusama ?

   Voir texte video et photos d'Excentriques: Monumenta 2012, Daniel Buren: une fantaisie mathématique sous la verrière du Grand Palais

Personnes, installation de Christian Boltanski
Monumenta 2010, Grand Palais, Paris

   Encore quelques jours de patience pour découvrir comment Buren habite et divise l'immense espace de la nef, après les stèles monumentales de Richard Serra, les vêtements saisis par un grappin de Christian Boltanski ou le Leviathan bousoufflé d'Anish Kapoor.

Promenade, sculpture de Richard Serra dans la nef du Grand Palais

Leviathan, Anish Kapoor, Monumenta 2011

Monumenta 2012 / Daniel Buren

Excentrique(s) travail in situ

Nef du Grand Palais

10 mai - 21 juin 2012

Tous les jours (sauf le mardi) : 
de 10h à 19h le lundi et le mercredi 
de 10h à minuit du jeudi au dimanche

Plein tarif : 5 € 
Tarif réduit : 2,50 €

Liens sur ce blog:

Leviathan, dans le ventre du monstre boursouflé d'Anish Kapoor, Monumenta 2011

Monumenta 2010, Boltanski: Personnes, l'absence, la présence et le hasard

Monumenta 2008, une "promenade" avec Richard Serra

Monumenta: les Kabakov à la rencontre de l'ange dans l'étrange cité

Palagret

art monumental

mai 2012

   Cocon irradié prêt à accoucher, Léviathan d'Anish Kapoor est double. A l'intérieur la sculpture est rouge utérin, obscure, intime, enveloppante, délimitée. A l'extérieur elle est rouge aubergine, baignée de soleil, colossale, impossible à cerner. Simultanées, les deux réalités ne correspondent pas, ni intellectuellement ni spatialement. Il faut ressortir du ventre de Léviathan par la porte tambour pour accéder à la nef du Grand Palais. Là, le ballon monumental et ses excroissances se déploient dans le transept comme une expansion figée, prisonnière sous la verrière.

Léviathan d'Anish Kapoor sous la verrière du Grand Palais, Monumenta 2011

      Pour Anish Kapoor, (comme pour Richard Serra et Christian Boltanski), l'immensité de la nef du Grand Palais, sa lumière écrasante sont de vrais défis. Comment habiter ce vaste espace, comment rivaliser avec sa décoration chargée? Kapoor répond avec une sculpture monumentale, un monstre, insaisissable par son énormité.

Léviathan d'Anish Kapoor sous la verrière du Grand Palais, Monumenta 2011

   Il faut tourner autour de Léviathan, passer sous les ballons ancrés au sol par des rivets, monter sur la mezzanine, revenir sur ses pas pour essayer de le voir en totalité.

   Quand nous sommes devant un bâtiment, nous ne percevons jamais la structure en entier et cela ne nous gêne pas. Or ici il s'agit d'une oeuvre d'art, d'une sculpture et nous nous attendons à la voir en entier, à pouvoir la mesurer. Nous sommes intrigués, frustrés de ne pouvoir l'appréhender en totalité. Léviathan, par sa démesure, nous échappe et reste mystérieux.

Léviathan d'Anish Kapoor sous la verrière du Grand Palais, Monumenta 2011

    Comme Promenade, les stèles monumentales de Richard Serra, Léviathan change avec la lumière du ciel parisien. Le jeu des nuages et du soleil projette sur le monstre l'entrelacs de la verrière formant une dentelle noire qui s'harmonise avec les piliers de fer et les balustrades ouvragées.  

Léviathan d'Anish Kapoor sous la verrière du Grand Palais, Monumenta 2011

      Tout en gardant le secret de l'oeuvre finale, il a fallu, en une semaine, monter Léviathan in situ: assembler les morceaux, les river au sol et gonfler la fine membrane de PVC. Selon Anish Kapoor ses 72.000 m³ en font probablement la plus grande structure gonflable au monde.

Léviathan d'Anish Kapoor, sous la verrière du Grand Palais, Monumenta 2011