archéologie du futur / archéologie du quotidien

   Installations éphémères d'écorces d'oranges pourrissantes, de purée de carotte, de nouilles de soja, de lentilles, de ketchup ou de mousse débordant de poubelles, Michel Blazy travaille avec le vivant, l'instable, l'éphémère.

Bouquet final, Michel Blazy, Collège des Bernardins

   Dans l'ancienne sacristie du Collège des Bernardins, Michel Blazy n'expérimente pas cette fois avec des matériaux organiques mais avec un banal produit artificiel, de la mousse de bain. A dix heures du matin, il y a très peu de mousse qui sort des bacs accrochés à l'échafaudage; peu à peu la mousse enfle, s'accumule et finit par tomber silencieusement. Le fragile drapé virevolte élégamment avant de se dissoudre lentement au sol. Ce matériau léger et translucide donne l'illusion de la vie en s'épandant et en se rétractant en d'imperceptibles évolutions.

Bouquet final, Michel Blazy, Collège des Bernardins

   Il faut longtemps contempler le mur pour voir enfin de gros nuages blancs se détacher. Le meilleur moment est vers cinq heures quand l'accumulation des bulles cède à la pesanteur. Le soir, les moteurs qui génèrent la mousse sont éteints et chaque matin la fontaine de mousse renaît, toujours différente, comme une métaphore de la naissance et de la mort, de la fragilité des choses.

MICHEL BLAZY, bouquet final au Collège des... par Palagret

 

Interview de Michel Blazy:

"Exponaute: Bouquet final est une sorte de bas-relief qui dialogue avec l'architecture majestueuse de l'ancienne sacristie du Collège des Bernardins. Comment avez-vous abordé cet espace et cet environnement mystique ?

Michel Blazy: C'est la pièce la plus importante que j'ai faite en mousse, elle mesure six mètres de haut sur huit de large. Ça fait une dizaine d'années que j'utilise ce matériau, mais c'est la première fois que je dépasse véritablement l'échelle humaine. Je suis parti de la sensation que l'on peut avoir dans les lieux de culte, où le corps est complètement dépassé par l'architecture, où l'on est dans une attitude de respect car on est dominé – ce qui peut même être inquiétant, oppressant. Je voulais rendre l'équivalent de cette sensation, mais avec un phénomène vivant.

Bouquet final, Michel Blazy, Collège des Bernardins

    Le drapé, la statuaire, le mouvement, le contraste entre le solide et le mou... : il y a dans l'œuvre quelque chose de baroque, de l'ordre de la démesure, du maniérisme. J'espérais que le côté mystique du lieu charge la pièce, grâce à cette matière mystérieuse, en apparence fixe, mais qui bouge, se déplace. C'est comme une plante que l'on ne voit pas pousser – même si c'est le cas, imperceptiblement.

Bouquet final, Michel Blazy, Collège des Bernardins

Exponaute: On y retrouve les notions de temps et de cycles, importantes dans votre travail. Ici l'œuvre est calée sur les heures du jour.

M.B: En effet elle meurt dans la nuit – les moteurs sont éteints, la mousse disparaît – et repousse le lendemain matin. Je suis parfois sur des cycles plus longs, parfois plus courts. ... Chaque pièce a son propre cycle. C'est la durée de vie de l'œuvre qui m'intéresse. Dans celle-ci, le meilleur a lieu à la fin de la journée, juste avant qu'on ne ferme les portes – d'où le titre de Bouquet final.

La mousse au sol éclate et meurt

Bouquet final, Michel Blazy, Collège des Bernardins

Exponaute: Il y a dans vos œuvres une part d'inconnu, de hasard , d'infini... 

M.B: J'ai la volonté de ne pas maîtriser les processus à 100 %, mais d'être simplement là pour les encourager, les accompagner. Un peu comme un jardinier qui plante une salade, mais ne sait pas exactement quelles seront les conditions météo, et ne peut pas savoir avec précision quelle sera la forme de sa salade... L'auteur dialogue avec les éléments et a un pouvoir limité. Il y a le désir que l'on projette sur les choses, et ce qui arrive : l'œuvre prend le chemin entre les deux. Ce qui m'intéresse, c'est toute cette incertitude."

Bouquet final, Michel Blazy, Collège des Bernardins

Extraits des propos recueillis par Magali Lesauvage pour Exponaute.

Bouquet final, Michel Blazy, ancienne sacristie du Collège des Bernardins

Bouquet final, Michel Blazy
Du 10/05/2012  au 15/07/2012
Collège des Bernardins, Paris

Bouquet final, Michel Blazy, Collège des Bernardins

Art contemporain au Collège des Bernardins:

L'art brut de Judith Scott: cocons multicolores et totems au Collège des Bernardins   

Claudio Parmiggiani au collège des Bernardins: le labyrinthe brisé

Michel Blazy, sculpcure, des oranges pourrissantes sur un Plateau

La grotte de Michel Blazy, coton et lentilles au Plateau

Palagret

art contemporain

photos Palagret en CC

juillet 2012

Sources:

Dossier de presse

Exponaute

   De loin, on ne voit voit que des tableaux classiques emblématiques de la peinture occidentale. Portrait des époux Arnolfini de Van Eyck, Joconde de Leonard de Vinci, Marie-Antoinette et l'autoportrait au chapeau de paille d'Elisabeth Vigée-Lebrun, la Fornarina ou la Madone aux oeillets de Raphaël. Vus de près, ces tableaux si connus ne sont que des photographies numériques et les visages si juvéniles sont couverts de rides.

Autoportrait au chapeau de paille d'Elisabeth Vigée Le Brun

réinterprété par Nicole Tran Ba Vang

     "You will never die", la série de Nicole Tran Ba Vang met en scène les modèles qui auraient vieilli. La Fornarina aurait 497 ans aujourd'hui et si son teint craquelé correspond à un âge avancé, en fait, elle n'est que poussière, représentation que Tran Ba Vang a préféré ignorer.

La Fornarina de Raphaël

réinterprétée par Nicole Tran Ba Vang

   La pose fière du tableau original fait ressortir le visage creusé, le cou ridé, les lèvres pincées, le corps avachi. Ode à la jeunesse et à la beauté, les portraits ne sont plus que de cruelles observations du temps qui passe.

La Joconde de Leonard de Vinci

réinterprétée par Nicole Tran Ba Vang

     L'oeuvre de Nicole Tran Ba Vang, photographe de mode à l'origine, est une réflexion sur le corps. Habituée à photographier des top-modèles parfaites, selon les codes de la mode, elle montre ici le désastre du temps sur des visages qui furent si lisses. Elle questionne l'immuabilité du tableau qui fige son modèle à un âge définitif. 

Marie-Antoinette d'Elisabeth Vigée Le Brun

réinterprétée par Nicole Tran Ba Vang

   Au contraire du portrait de Dorian Gray qui veillit et s'enlaidit alors que Dorian reste jeune et beau, ces femmes peintes se couvrent de rides mais leurs modèles aussi et ils sont morts. 

    D'origine viet-namienne, Nicole Tran Ba Vang est née en 1963. 

Aphrodite

réinterprétée par Nicole Tran Ba Vang

    A Art Paris 2012, comme Nicole Tran Ba Vang, plusieurs plasticiens jouent avec les oeuvres classiques: Sabine Pigalle avec Timequakes ou Vincent Corpet ré-interprétant des tableaux d'Andy Warhol ou de Rubens.

Art Paris 2012

Palagret

art Paris 2012

juin 2012

  Pascal Bernier présente une mygale posée sur une broderie tendue sur un tondo. Il associe la patiente activité des brodeuses à l'insecte qui tisse sa toile pour capturer des proies.

Spider seduction, Pascal Bernier, Art Paris 2012

   Sous le titre anglais "spider seduction", le contraste est fort entre la délicatesse de la broderie blanche et la menace noire incarnée par la mygale velue. Naturalisée, l'araignée est inerte mais elle provoque quand même un sursaut tant ces insectes génèrent de fantasme. La broderie évoque la séduction (parure des femmes en habit de fête, robes de mariée) et la domesticité (femme brodant au foyer, napperons brodés posés sous les bibelots). L'araignée évoque le danger et la mort. Cet oxymore visuel est une vanité.

Spider seduction, Pascal Bernier, Art Paris 2012

   Animaux écorchés, canard victime d'un accident de chasse pansé de bande velpeau, trophées maquillés et coiffés, les animaux sont nombreux chez Pascal Bernier qui se défend d'être un artiste animalier.

Spider seduction, Pascal Bernier, Art Paris 2012

    L'araignée est un sujet souvent traité par les plasticiens contemporains, de Louise Bourgeois à Calder. 

Lien sur ce blog:

Le canard de Pascal Bernier victime d'un accident de chasse: art et taxidermie

L'araignée géante de Louise Bourgeois aux Tuileries

Infinity, la toile d'araignée de Chiharu Shiota à la galerie Templon

Une attaque d'araignées venimeuses géantes crée la panique en Inde

Palagret

araignée

juin 2012

   Roi de la provocation avec cloaca (2000), sa machine à fabriquer de la merde, et ses cochons tatoués, l'artiste flamand Wim Delvoye interroge la notion de bon goût et de culture.

Tour en acier corten, Wim Delvoye, devant l'hôtel Biron, musée Rodin

     Dans la cour du musée Rodin, Wim Delvoye expose une tour gothique, ou mauresque, de 10 mètres de haut, une tour de métal découpée au laser et non une tour de dentelle de pierre comme celles des cathédrales. Le métal est plus associé aux constructions industrielles qu'aux édifices religieux. Un hommage peut-être à la Tour Eiffel, pas si loin de là.

   La Tour a déjà été exposée à Venise. Pour Paris, Wim Delvoye a ajouté un étage et il continuera à modifier sa tour sans plan prédéfini.

Tour en acier corten, Wim Delvoye, devant l'hôtel Biron, musée Rodin

« Je pourrais d’abord définir le décoratif de façon péjorative comme quelque chose de superflu et d’inutile. Le décoratif, c’est ce qu’on ajoute à l’œuvre et qui occulte sa logique. Mais, en ce sens, mon art n’est pas décoratif. D’autre part, je considère l’ornement comme un art de l’effet, c’est ce qui est immédiatement lisible et qui plaît aux gens. Ce que je fais est donc décoratif, mais pas comme une mascarade bourgeoise. Plutôt comme une écriture visuelle primitive, un art primitif. La beauté de base. Le décoratif est un langage de masse. » Wim Delvoye

Dentelle de métal oxydée par la pluie

Tour en acier corten, Wim Delvoye, devant l'hôtel Biron, musée Rodin

   Wim Delvoye détourne les matériaux et les objets. Il construit des camions-benne (2006), des camions-remorque en dentelle de fer (2007), des bétonneuses en bois précieux style Grand Siècle (1992) et orne des pelles de chantier et des tables à repasser d'armoiries (1989).

    Dans l'hôtel Biron, à côté des sculptures d'Auguste Rodin, mêlant art savant et culture populaire, Wim Delvoye expose des oeuvres ironiques:

- des bouteilles de gaz customisées en style antique (1988)

- une réplique du portail de son atelier qui s'ouvre et se referme en grinçant, lointain écho de la Porte de l'enfer de Rodin

- une accumulation de christs en croix collés sur une hélice rappelant la structure de l'ADN (Hélix)

    Comme de nombreux plasticiens contemporains (Murakami, Jeff Koons, Damien Hirst), Wim Delvoye emploie une équipe de techniciens et d'assistants dans son atelier de Gand.

Tour en acier corten, Wim Delvoye

au fond, la Porte de l'enfer de Rodin

Dossier de presse:

    "Né en 1965 en Belgique, Wim Delvoye, artiste aujourd’hui reconnu et exposé internationalement, propose une oeuvre qui, tout en puisant ses références dans une certaine tradition de l’art flamand, se développe selon les principes de l’économie actuelle mondialisée : entre local et global, de Gand – siège du "Studio Wim Delvoye" – à Pékin, où se trouve son "Art Farm". Teintée d’ironie et d’iconoclasme, sa pratique artistique mêle imagerie populaire et culture savante pour mieux faire ressortir les contradictions et mutations de notre environnement contemporain.

    Revisitant tous les genres, y compris les plus inconciliables, Wim Delvoye s’approprie la question du décoratif et la dynamite en rompant la cohérence supposée entre le motif ornemental et la fonction de l’objet, support de représentation. Un déplacement et un déclassement dont la surenchère met à mal et renverse toute notion de "bon" ou de "mauvais goût" dans les arts décoratifs.

Tour en acier corten, Wim Delvoye

    Accueillant le visiteur dans la cour d’honneur de l’hôtel Biron, la sculpture monumentale Tour (2009-2010), s’inscrit dans les recherches menées par l’artiste sur l’architecture, dans sa dimension historique et sacrée, et la question du décor à l’ère industrielle. La présence de cette oeuvre néo-gothique de plus de dix mètres de haut, à la fois imposante et délicatement ouvragée, n’est pas sans effet sur le paysage visuel alentour, dont la ligne d’horizon croise le dôme des Invalides et le sommet de la Tour Eiffel toute proche. Réalisée en acier Corten découpé au laser, cette flèche flamboyante illustre la fascination de Wim Delvoye pour l’ère gothique, son architecture idéale et parfaitement symétrique.

Helix de Wim Delvoye au musée Rodin

   On retrouve cette interprétation de la forme parfaite dans la série des crucifixions présentées dans l’hôtel Biron : un crucifix anamorphosé reprend la trame et la forme elliptique d’une molécule organique (ADN).

Crucifix de Wim Delvoye, détail d'Hélix

    En écho à la monumentale Porte de l’Enfer de Rodin, Gate (maquette) (2008) est la représentation en modèle réduit du portail de l’atelier de l’artiste. À l’instar de Rodin, Wim Delvoye décline dans cette oeuvre mécanisée les leitmotivs de son vocabulaire plastique, la figure de Monsieur Propre ou les logos des grands studios hollywoodiens.

Gate (portail), détail avec M. Propre, logo Warner Bros

et entrelacs de pellicule cinématographique. Acier, Wim Delvoye

   Le savoir-faire technique est ici contrebalancé par l’apparente légèreté du sujet ou du motif représenté. Entre sacré et profane, artisanat et industrie, science et religion, art et scatologie, Wim Delvoye opère par appropriation, détournement, mixage et assemblage."

Wim Delvoye

Pendant l'exposition "Corps et décors, Rodin et les arts décoratifs"

Du 16 avril au 22 août 2010

Musée Rodin,

79 rue de Varennes, Paris

Wim Delvoye au Louvre Paris

Du 31 mai au 17 septembre 2012

Liens sur ce blog:

Urs Fischer, Marguerite de Ponty, Zizi, Miss Satin, sculptures molles et lourdes au Musée Rodin

Etienne Bossut au Musée Rodin: Laocoon(s), le monstre sans la proie

Wimcity, le site de Wim Delvoye

Palagret

art contemporain

juin 2012

   Un duo russe, Ilya et Emilia Kabakov, investira la nef du Grand Palais pour Monumenta 2013. Emilia Kabakov sera la première femme à occuper cet espace immense. Après les ronds colorés de Daniel Buren, le monstre boursoufflé d'Anish Kapoor, les vêtements usagés de Christian Boltanski, les stèles de Richard Serra, verrons nous des anges déchus sous la verrière?

Illya and Emilia Kabakov, The Fallen Angel, 1997-2004, fibre de verre peinte et tissu

    Les Kabarov ont déjà exposé Angelology, une installation monumentale de peintures, sculptures et mixed media dans divers musées. En décembre 2010, Ilya et Emilia Kabakov exposaient "fallen angel" au 104. Un ange géant au corps disloqué, venu s'écraser sur terre. Un ange qui se serait trop approché du soleil comme Icare? Même les anges sont mortels. Une illustration de l'hybris humaine? Ou un ange déchu par Dieu pour ses péchés, Satan chassé du ciel?

   Un aile pointait vers le ciel, l'autre, cassée, gisait sur le sol. Du corps on ne voyait que des jambes et des pieds, des membres lourds fort peu angéliques. Le cadavre était recouvert d'un drap noir, comme sur une scène de crime ou d'accident quand on veut préserver les badauds d'un spectacle trop horrible. Des bandes et des poteaux rouges et blancs, signifiant danger, ne pas dépasser, entouraient la créature céleste. En Ireland, l'ange tombé était exposé entouré d'une palissade qui le dissimulait à la vue.

Illya and Emilia Kabakov, The Fallen Angel, 1997-2004, fibre de verre peinte et tissu 

Dossier de presse du 104:

« Quand on rêve, on ne se réveille jamais » expliquent Ilya et Emilia Kabakov pour évoquer la place de la spiritualité dans leur travail. L’installation The Fallen Angel raconte un rêve, ou la réalité, ou encore deux moments fusionnés dans un présent éloigné du quotidien. Un présent qui laisse le spectateur sans défense devant cet ange gigantesque, maladroitement abandonné par terre, tombé on ne sait d’où. Les installations des époux Kabakov, artistes russes majeurs, portent aussi bien sur la période poststalinienne de leur pays d’origine que sur la condition humaine universelle.

Illya and Emilia Kabakov, The Fallen Angel, 1997-2004, fibre de verre peinte et tissu

Communiqué de presse pour Monumenta 2013:

   Ilya Kabakov est né à Dnipropetrovsk, en Ukraine, en 1933. Il étudie à l’École de peinture, de sculpture et d’architecture de Moscou entre 1941 et 1951. Il obtient son diplôme à la V.A. Surikov State Art Academy, à Moscou, en 1957. À partir de 1950, il travaille en tant qu’illustrateur de livres pour enfants et rejoint un mouvement d’artistes conceptuels s’opposant à la ligne artistique soviétique officielle. Il réalise sa première exposition solo à la galerie Dina Vierny, à Paris, en 1985. Deux ans plus tard, il s’installe en Autriche dans le cadre d’une résidence de six mois.

   Emilia Kabakov est également née à Dnipropetrovsk, en Ukraine, en 1945. Sa formation artistique est moins conventionnelle ; elle étudie à l’École supérieure de musique d’Irkoutsk avant de s’installer à Moscou pour étudier la langue et la littérature espagnole. En 1973, elle quitte la Russie pour aller en Israël. Deux ans plus tard, elle s’installe à New York, où elle commence à travailler sur le marché de l’art aussi bien en tant que commissaire qu’en tant que marchande.

    Ilya et Emilia comment à travailler ensemble en 1988 et se marient en 1992. L’ensemble de leur travail est collaboratif et a pour but de critiquer les régimes politiques poststaliniens et les conditions sociales de l’Union soviétique dans laquelle ils ont été élevés. Ils sont désormais très célèbres, aussi bien en Russie (la première rétrospective consacrée à un artiste vivant au musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg a été dédiée à Ilya en 2004) et à l’étranger avec de nombreux prix et expositions à travers le monde. Ils résident et travaillent actuellement à Long Island, aux États-Unis.

Illya and Emilia Kabakov, The Fallen Angel, 1997-2004, fibre de verre peinte et tissu

    L’œuvre qu’ils planifient pour Monumenta explorera le thème de l’utopie. Apparemment, les conjoints ne sont nullement inquiétés par la taille de la nef du Grand Palais, cette dernière leur fournissant l’espace nécessaire pour une autre de leurs œuvres conceptuelles monumentales caractéristiques.

site des Kabakov

Photos Palagret

art contemporain

mai 2012